*** SI TE INSCRIBES ANTES DEL 1 DE JULIO 2013***

+ INFO: Marisela Bernardino en Marisela@border.com.mx

PROYECTO VASIMR®
Exposición Colectiva

Exposición que reúne la obra de 5 artistas resultado de un programa de asesoría personales llevadas a cabo durante un año. En él se detonaron procesos de análisis y revisión de aspectos de producción de la obra y su metodología, teniendo como objetivo aterrizar una propuesta expositiva específica. Este procedimiento de trabajo les llevó a cuestionarse el origen de su práctica, dirigiéndola a campos de acción que parten del dibujo hacia diferentes tipos de representaciones plásticas: Ilustración, dibujo e instalación, que no habían sido utilizadas antes por los artistas participantes.

El nombre de la exposición es tomado del proyecto de investigación que se desarrolla en E.U.A., cuyo objetivo es crear un motor de iones de plasma que sea la propulsión de naves espaciales, éste motor ayudará a la exploración del sistema solar más allá de los territorios conocidos por el hombre.

Los artistas que se incluyen en la muestra son Gerardo Garduño, Ernesto Cortés, Miguel Angel Montaño “Poske” y Colectivo Chachacha conformado por Raymundo Rocha y Dayron López.

Dulce Chacón

Inauguración 13 de Julio 20 hrs
Abierta del 14 de Julio al 31 de Septiembre.

Explosión en Torre / 15:45 hrs
Intervención en Dibujo de Dulce Jiménez

La intervención retrata el ambiente de la Torre Ejecutiva de Pemex ubicada en Av.Marina Nacional #329 de la Cd. De México. Nos da una version distinta a la que el gobierno dio, señala que la explosión fue producto de un sabotaje o un atentado. La pieza propone construir una memoria gráfica del atentado violento del dia 31 de Enero del 2013, donde a las 15: 45 hrs se registró una explosión en el edificio B-2 del complejo administrativo de Pemex donde murieron 37 personas y hubo más de 100 heridos.

La artista se traslada al lugar citado para codificar el ambiente de la calle, con trazos continuos y superpuestos representa el movimiento de los automóviles que circulan por el perimetro geográfico de la Torre Ejecutiva de Pemex. Dulce Jiménez recurre al dibujo como mecanismo de construcción del pensamiento que transmuta en una huella o memoria sobre papel para reproducirla a gran escala en el muro del Centro Cultural Border. Utiliza la tecnica de punta de plata para construir una imagen gráfica inestable que con el paso del tiempo va cambiando de color , la imagen adquiere la cualidad de ser un organismo vivo transformable.

Dulce Jiménez

Eugenio Echeverría Manau

Mayo 2013

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Abierta del 10  al 30 de Mayo 2013

DIRIDIDUH – DIRIDILAH

Mónica Espinosa

Exposición individual

Existe un mundo a la luz y otro que sucede en silencio. Seguramente algo pasa más allá de nuestra propia vigía. Nos encontramos en un estado de cosas por el que nos vemos rebasados, un hemisferio despierto y otro dormido, como el gato de Schrodinger, lo desconocido e inaprensible se apodera de nuestro entorno, en realidad, la mayor parte de los acontecimientos se producen en un espacio inconcebible. No podemos ser tan atentos, ni estar tan enterados de todo lo que se mueve a nuestro alrededor. Estamos rodeados de puntos ciegos, si vemos para enfrente no podemos ver lo que está detrás, estamos rodeados de incertidumbre, pero con o sin nuestra atención el universo acontece.

El arte no sólo es conocimiento, progreso y visibilidad. Dirididuh- Diridilah, no significa nada, se presenta como una segunda voz que aparece constante pero sin invitación en nuestra vida cotidiana, es el sonido común con el que taraleamos una canción que del todo no sabemos su certeza, así se expone nuestra relacion inmediata con el espacio abordando la ignorancia, el backstage, esas situaciones de pérdida que se vinculan sí a veces con el romanticismo, pero también con un acto de justicia –porque también tendría que haber el derecho a la decepción, al desconocimiento, a la equivocación, a enamorase, al desaprender,  al tedio, a la fe y la complicidad-. Lo generoso de una obra de arte es que su quehacer no implica absolutos, es esquiva, tartamuda. “Los libros bellos están escritos en una especie de lengua extranjera”.

Mónica Espinosa

DESCARGA LA RELACIÓN DE PUBLICACIONES DE LA BIBLIOTECA DEL CENTRO CULTURAL BORDER

El Centro Cultural Border  se estructura a partir de dos objetivos primordiales: procurar la experimentación en artistas en proceso de definición de la propia identidad estético discursiva y contribuir en los procesos de legitimación de artistas incipientes y emergentes. Como tal el Centro Cultural Border es entendido como una plataforma abierta y destinada a la búsqueda y  construcción de la identidad del artista emergente a quien se le otorga visibilidad a partir de medios, colaboraciones con otras instituciones, galerías nacionales e internacionales, y venta de obra. Desde Noviembre 2010 hemos implementado un sistema más democrático y accesible para determinar nuestro programa curatorial.  Te invitamos a que leas atentamente la descripción de dicho programa, descargues el formato de aplicación y presentes tu proyecto.

¿CÓMO FUNCIONA EL PROCESO?

El CCB acepta aplicaciones a lo largo de un periodo específico cada año. Dichas aplicaciones serán revisadas por un comité seleccionador conformado por promotores, curadores y artistas activos en la escena del arte contemporáneo mexicano emergente. Dichos proyectos se revisarán teniendo en cuenta una única fecha de corte y anunciando resultados en el plazo del siguiente mes. Las aplicaciones serán consideradas para proyectos artísticos y curatoriales desarrollados a partir de exposiciones individuales, exposiciones colectivas e intervenciones de espacio en las instalaciones del CCB.

¿CÓMO APOYAMOS A LOS ARTISTAS SELECCIONADOS?

Los artistas seleccionados por el comité serán contactados con el fin de agendar una fecha para la presentación de su trabajo. En el caso de las exposiciones tanto individuales como colectivas, el CCB apoya a partir de asesorías durante la producción de obra a nivel discursivo y estético técnico, apoya económicamente con los gastos relacionados con la museografía y difusión y estratégicamente con un programa concreto de difusión y vinculación. En el caso de las intervenciones el CCB apoya con la financiación de la intervención y la realización de un video registro del proceso de producción.

CONVOCATORIA 2013 CERRADA

La convocatoria del programa ¿QUIERES EXPONER EN BORDER? 2013 cerró el 28 de febrero 2013. Los proyectos seleccionados se presentarán en el Centro Cultural Border en el periodo noviembre 2013 – noviembre 2014.

SELECCIONADOS DE LA CONVOCATORIA 2013

Para esta convocatoria se recibieron un total de 125 propuestas de las cuales se seleccionaron 27 para conformar el Programa de Producción 2014, el cual comprende un total de 8 Exposiciones Individuales y Colectivas en Galería, 5 Intervenciones en Salón 1, 1 en Frontón y 2 en la pared Interior de las Instalaciones de Border.

Así mismo se seleccionaron otros 4 proyectos para formar parte del nuevo apartado “Proyectos Especiales” en el que cada propuesta tendrá una duración de 2 meses de exhibición en nuestro website.

Algunas propuestas fueron seleccionadas bajo la condición de aceptación de la contrapropuesta del jurado para replantear el proyecto y /o realizarse en espacios distintos a los solicitados.

El jurado estuvo conformado por Dulce Chacón, Coordinadora del Programa de Producción del Centro Cultural Border y Violeta Solís Horcasitas, Curadora Independiente, quienes revisaron conjuntamente todas las propuestas el pasado mes de marzo de 2013.

Los resultados son inapelables.

A continuación la lista de los proyectos seleccionados:

QEB13005- Florencia Guillén

QEB13016-Francisco Westendarp Palacios

QEB13021-Jorge Castellanos Velázquez

QEB13022-Alberto López

QEB13028-Fidel Márquez Portillo

QEB13033-Danae Santana López

QEB13038-Manuel Menéndez

QEB13040-Laura Meza Orozco

QEB13050-Tatiana Musi Torregrosa

QEB13053-Mónica Espinoza

QEB13054-Aarón Jiménez García

QEB13058-Rodrigo Sandoval

QEB13061-Georgina Sangines

QEB13062-Edgar Fibela Tapia

QEB13066-Guadalupe Waysatta Fernández (Leche Cortada)

QEB13067-Cristóbal Gracia (Aguilar Gracia Krassoievitch & Asociados)

QEB13071-Yesica Díaz

QEB13090-Daniela Bojórquez Vértiz

QEB13104-Rodrigo Alcocer de Garay

QEB13105-Daren Sánchez

QEB13108-Meg Adamson

QEB13112-Sebastian Ospina

QEB13115-Laura Carmona

QEB13116 -Tabata Bandin

QBB13118- Natalia Millán

QEB13119 -Karla Leyva

QEB13129-Oscar Garduño

Los artistas seleccionados deberán ponerse en contacto con Dulce Chacón hablando a Border- 5584 7557, o escribiendo a dulce@border.com.mx, a partir del día 3 y hasta el 12 de abril, de las 9 AM a las 3 PM, para agendar una cita y pasar posteriormente al Centro Cultural Border para firmar la carta compromiso y formalizar todos los detalles de las exposiciones.

Violeta Solís Horcasitas (México, 1979) es curadora y gestora cultural. Trabajó durante varios años en Fundación/Colección Jumex en Investigación y Programas curatoriales donde asistió la curaduría de numerosas exhibiciones en el país y el extranjero. Actualmente trabaja de manera independiente en proyectos de exhibición y en propuestas relacionadas con la cultura y la promoción de arte contemporáneo.

Su trabajo tiene como principal interés la investigación y la reflexión del arte y su relación con los medios digitales y el trabajo colaborativo, así como la exploración de nuevos formatos de exhibición y sus implicaciones en el arte contemporáneo.

Dulce Chacón (México, 1976) www.dulcechacon.org, Artista Visual e Ilustradora, estudia Artes Visuales en la E.N.A.P. México, D.F (1994-1998), En 2001 hace una residencia académica en la Academie Minerva Faculteit der Kunsten en Groningen, Holanda. De 2010 a 2012 forma parte del Programa Educativo de SOMA.

Docente de 2007-2012 en la Universidad Centro de Diseño, Cine y Televisión, y desde 2007 en el Centro Cultural Border.

Durante 2010 realizo una residencia artística en Ironbridge, Shropshire.

Actualmente es becaria del Programa Bancomer MACG Arte Actual 3ª edición (2012-2014) y Coordinadora del Programa de Producción del Centro Cultural Border.

A continuación se enlistan los aplicantes seleccionados para formar parte del programa curatorial del Centro Cultural Border para el periodo febrero – noviembre 2013.

El comité de revisión y selección de los proyectos recibidos en la convocatoria 2012 se ha conformado por Dulce Chacón y Eugenio Echeverría cuyas semblanzas se adjuntan tras el listado de artistas seleccionados.

El proceso de selección se ha basado en la revisión individual de cada uno de los 141 proyectos recibidos y su consecuente valoración colectiva. Los proyectos seleccionados son aquellos para los cuales ambos miembros del comité han considerado oportuno su inclusión considerando: solidez del discurso, autenticidad en la identidad estética, fluidez técnica y coherencia de los diversos factores que componen la propuesta artística en su totalidad.

Debido al interés de la mayor parte de los aplicantes por presentar su trabajo bajo el formato de exposición individual y como consecuencia de no poder presentar todos los proyectos bajo dicho formato, el comité de selección ha decidido proponer formatos de exposición alternativos a los propuestos por los mismos aplicantes. En el listado de artistas invitados detallamos el formato para el cual el comité propone la presentación de sus respectivos proyectos.

Los artistas seleccionados serán contactados a lo largo de la semana del 7 al 11 de mato del 2012 con el fin de agendar una cita con Eugenio Echeverría para revisar el proyecto, comentar las valoraciones de los miembros del comité y acordar la fecha de presentación del mismo.

Los artistas seleccionados son:

QEB1204 / Max Montalbán / Intervención de espacio

QEB1214 / Colectivo Chachacha! / Inclusión en exposición colectiva

QEB1216 / María Cerdá / Exposición individual

QEB1223 / Poske / Inclusión en exposición colectiva

QEB1225 / Gerardo A. Garduño / Inclusión en exposición colectiva

QEB1231 / Heráclito López / Exposición individual

QEB1237 / Monocromo / Exposición individual

QEB1259 / Dulce Jiménez / Intervención de espacio

QEB1263 / Ricardo Salcido / Intervención de espacio

QEB1272 / Miriam Castillo / Intervención de espacio

QEB1284 / Uriel López / Exposición individual

QEB1288 / Ernesto Cortés / Inclusión en exposición colectiva

QEB12102 / Aarón Jiménez / Intervención de espacio

Agradecemos a todos los participantes por su compromiso y dedicación.

DULCE CHACÓN (Ciudad de México, México. 1976)

www.dulcechacon.org

Estudia Artes Visuales en la E.N.A.P. México, D.F (1994-1998). Posteriormente toma un curso de Arte Interdisciplinario en la Academie Minerva Faculteit der Kunsten en Groningen, Holanda (2001).

De 1998 a 2003 formó parte del colectivo Atlético, con quienes llevó a cabo eventos y exposiciones tanto en México como el extranjero. De 2007 a la fecha es profesora de Taller de Dibujo en la Universidad Centro de Diseño, Cine y Televisión, y en el Centro Cultural Border. En 2010 realiza una residencia artística en Ironbridge, Shropshire, Reino Unido. En México ha expuesto su obra en foros como Ex-Teresa, Museo Carrillo Gil, Casa del Lago y Centro Cultural de España; en el extranjero, en países como España, Holanda, Portugal, Republica Checa, E.U.A., Uruguay, Colombia y Argentina. Actualmente forma parte del Programa Educativo de SOMA.

Su práctica se concentra en hacer una reflexión de la percepción como una construcción de momentos cotidianos que se incorporan al registro de la memoria. A través de procedimientos de reminiscencia y de interpretación su obra se conforma como un espacio de búsqueda por capturar lo inmaterial del recuerdo.

Vive y trabaja en la ciudad de México.

EUGENIO ECHEVERRÍA (Barcelona, España. 1980]



Estudia cinematografía en la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC) de la Universidad de Barcelona. Posteriormente se centra en cine documental a partir de dos especializaciones en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba (EICTV) y en el Centro de Capacitación Cinematográfica de México (CCC).

A partir del 2005 y hasta la actualidad, funda y dirige el Centro Cultural Border, espacio independiente dedicado a las artes visuales, multimedia y graffiti. Por el periodo 2009 – 2011 es co-conductor junto a Rowena Bali y Agustín Peña en Ibero 90.9 de “Zigma. Ideas para mañana”. Ha participado en conferencias, mesas redondas y revisión de proyectos para Conaculta, La Casa del Lago, la Universidad Iberoamericana, el Centro Cultural Tijuana y la Universidad Autónoma del Estado de México. Ha formado parte del jurado para “Grafiteando la historia” bajo el programa del Fonca (Conaculta), y del catálogo “MART. Selección de artistas emergentes para jóvenes coleccionistas” de la Fundación Murrieta. Ha escrito artículos para diferentes medios como Excelsior y Cultura Urbana (Universidad Autónoma de la Ciudad de México). Desde el año 2011 es director de la Beca adidas Border.

A continuación se enlistan los aplicantes seleccionados para formar parte del programa curatorial del Centro Cultural Border para el periodo febrero – noviembre 2012.

El comité de revisión y selección de los proyectos recibidos en la convocatoria 2011 se ha conformado por Catalina Restrepo y Eugenio Echeverría cuyas semblanzas se adjuntan tras el listado de artistas seleccionados.

El proceso de selección se ha basado en la revisión de cada uno de las 76 carpetas recibidas y su consecuente valoración colectiva. Los proyectos seleccionados son aquellos para los cuales ambos miembros del comité han considerado oportuno su inclusión. Debido al interés de la mayor parte de los aplicantes por presentar su trabajo bajo el formato de exposición individual y como consecuencia de no poder integrarlos todos bajo ese formato por cuestiones de disponibilidad, el comité seleccionador ha decidido proponer formatos de exposición alternativos a los propuestos por los mismos aplicantes. En el listado de artistas invitados detallamos el formato para el cual el comité ha decidido integrarlos.

Los artistas seleccionados serán contactados a lo largo de la semana del 11 al 15 de abril del 2011 con el fin de agendar una cita con Eugenio Echeverría para revisar el proyecto y acordar la fecha de presentación del mismo.

011 Kang S. Lee / Intervención de espacio

013 Omar Martínez / Intervención de espacio

016 Lorena Malo / Intervención en el espacio urbano

023 Isidro Esquivel y Andres Espino / Intervención de espacio

024 Eduardo Bastida -Trash- / Exposición individual

031 Elias Cattan / Inclusión en exposición colectiva

033 Lorena Mal / Exposición individual

038 Alejandra Baltazares / Exposición individual

045 Favio Martínez / Intervención de espacio

046 Alejandra Contreras / Intervención de espacio

052 Heliodoro Santos y Joana Moll / Exposición colectiva

067 Ana Gilardi / Exposición colectiva

070 Ulrike Stehlik / Inclusión en exposición colectiva

Agradecemos a todos los participantes por su compromiso y dedicación.

CATALINA RESTREPO (Bogotá, Colombia. 1982)

Egresada de la Facultad de ArtesVisuales de la Universidad Javeriana de Bogotá, donde obtuvo el gradode Maestra con énfasis en Producción Audiovisual en 2007. Ese mismo año se desempeñó como directora de la galería Rococó de Bogotá. Al mudarse a México en 2007, trabajó como productora del canal de televisión por cable Xclusive TV para la realización de programas enfocados en arte contemporáneo. En 2008 se integró al equipo de la galería Nina Menocal. En 2009 desarrolló el proyecto Living Art Room, mismo que había comenzado en 2006 bajo el nombre de GALER_A, cuyo propósito es promocionar y difundir el trabajo de artistas y curadores contemporáneos a nivel internacional. El proyecto incluye portafolios de artistas, exposiciones virtuales, una publicación digital trimestral bilingüe y una importante presencia en redes sociales. Gracias a su labor en Living Art Room, Catalina ha logrado vinculaciones para varios de sus artistas en foros tan importantes como el Centre Pompidou de Paris, Video DUMBO en Nueva York , LATINO LATINO en Italia, FOTOLOGIA en Bogotá y el Festival de Cali Contemporáneo, entre otros.

EUGENIO ECHEVERRÍA (Barcelona, España. 1980]

Estudia cinematografía en la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC) de la Universidad de Barcelona. Posteriormente se centra en cine documental a partir de dos especializaciones en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba (EICTV) y en el Centro de Capacitación Cinematográfica de México (CCC). A partir del 2005 y hasta la actualidad, funda y dirige el Centro Cultural Border, espacio independiente dedicado a las artes visuales, multimedia y graffiti. Por el periodo 2009 – 2011 es co-conductor junto a Rowena Bali y Agustín Peña en Ibero 90.9 de “Zigma. Ideas para mañana”. Ha participado en conferencias, mesas redondas y revisión de proyectos para Conaculta, La Casa del Lago, la Universidad Iberoamericana y la Universidad Autónoma del Estado de México. Ha formado parte del jurado para “Grafiteando la historia” bajo el programa del Fonca (Conaculta), y del catálogo “MART. Selección de artistas emergentes para jóvenes coleccionistas” de la Fundación Murrieta. Ha escrito artículos para diferentes medios como Excelsior y Cultura Urbana (Universidad Autónoma de la Ciudad de México).

21 de marzo -18 de abril 2013

Con el tiempo, esos mapas desmesurados no fueron suficientes y los Colegios de Cartógrafos levantaron un Mapa del Imperio, que tenía el tamaño del Imperio y coincidía puntualmente con él.                                             –Del Rigor en la Ciencia. Jorge Luis Borges.

“La propiedad no es ya una cuestión de poder, personalidad u orden… debido a que ya no tiene peso o forma”.                                                                                                                                                                                    –Didi Fancher. Art dealer. Cosmópolis. Don DeLillo.

Desplazado de su vínculo con la naturaleza, pero aún dependiente de ésta, el espacio urbano ha dado lugar a un ámbito digital; una proyección que se asume como el referente desde donde se generan circunstancias sociales y políticas que moldean y simbolizan el mapa físico, el nuevo espejo del flujo económico y tecnológico que al representarle, le padece de manera consecuente.

Este flujo es ahora comprendido desde una lectura cartográfica, conformada por campos de bits de información generativa cuya globalidad posee aún un punto de referencia en común: la ciudad.

Definida por la consecuencia del movimiento de lo económico a través de patrones de circulación del tráfico vehicular, y tomando como base la re-organización de la ciudad de Monterrey a partir de irrupciones y rupturas sociales determinantes, la propuesta de la producción de Daniel Pérez se conforma a partir de datos estadísticos generados y compilados por tecnologías de movilidad, transformados en mapas de alta definición –en alusión a lo digital- que más allá de solo identificar la reconfiguración de territorios urbanos, determinan el orden social, sus ritmos y desplazamientos, concentración y expansiones. Daniel hace uso del medio digital como una herramienta que es también un complemento formal de las propuestas. Las características del mismo –la inmediatez, la velocidad, lo fragmentario- reflejan la circunstancia en la que ocurre todo, actuando así como un plano cartesiano.

A su vez, el planteamiento de Rafael Casas consiste en un despliegue de la defenestración de zonas clave de la urbe. Desprovista de su peso o forma, la ciudad amenaza con ser de una uniformidad inimaginable, aunque multiplique sus opciones ilusorias. La producción de Rafael consiste en una serie continua de ensayos fotográficos del espacio degradado que, re-politizado a partir de su abandono, emite un pulso sobre el ritmo de lo social y de la característica ageográfica antes mencionada.

Liberada de sus centros y sus límites fijos, nuestra relación con la ciudad está definida a través de los hábitos inducidos por la manipulación –en todo sentido- del orden social, los valores de propiedad por la densidad del monóxido de carbono y las políticas históricas por la uniformidad generativa. Las lecturas acerca de la ciudad elaboradas por ambos artistas, proponen profundas cuestiones sobre el vínculo de la sociedad y el espacio urbano; sobre la ciudad y la radical virtualidad del todo; sobre el signo y la conformación del reflejo del Mundo.

Francisco Benítez

Para ver el recorrido de la exposición da click en Territorios Ageográficos

Producción realizada con el beneficio derivado del artículo cuadragésimo segundo del presupuesto de egresos de la Federación.

El cuaderno de trabajo de un artista no sólo es la herramienta de soporte en la que se registran ideas sino también es un mundo independiente en el que página a página se arma la narrativa de un proceso de trabajo. Ricardo usa sus cuadernos como diarios en los que compila experiencias de todo tipo, traduciendo momentos de vida que se suceden y que quedan en el papel.  En esta ocasión ha decidido abrirlos para trasladar algunos elementos,  que muestran en la crudeza de sus trazos la representación de la fantasía teenager, que despreocupada de academicismos formula dibujos cargados de un fuerte anhelo por vaciar gráficamente todas las aspiraciones de identidad irreverente, así como de mostrar los deseos libidinosos sin censura.

Esta Intervención es un gran diario cuya intimidad ha quedado expuesta, incitándonos a husmear o a compartir fantasías culposas, a la vez que ilustra abiertamente la evasión y el descaro con que se puede enfrentar al mundo.

Dulce Chacón

Para ver el proceso de intervención da click en Learn to walk

Producción realizada con el beneficio derivado del artículo cuadragésimo segundo del presupuesto de egresos de la Federación.

A través de un proceso de auto reconocimiento Miriam Castillo ha desarrollado esta propuesta mediante la disciplina que es su vocación: la Ilustración. Este análisis la llevó a materializar en una imagen la traducción de la observación de su ser interno. De naturaleza terrestre y de piel cambiante la serpiente es el símbolo de independencia de la fuerza creativa y representa reinvención continua, por tal motivo esta intervención se presenta tanto manifestación del movimiento dinámico así como el testimonio del crecimiento en la práctica y la práctica del crecimiento.

Dulce Chacón
Para ver más de su trabajo da click en Miriam Castillo
Para ver el proceso del Mural da click en Víbora de tres colas

Producción realizada con el beneficio derivado del artículo cuadragésimo segundo del presupuesto de egresos de la Federación 2012

TERRITORIOS AGEOGRÁFICOS: CARTOGRAFÍAS  DEL COLAPSO de Daniel Pérez Ríos | Exposición individual en colaboración con Rafael Casas

La exposición se conforma como un análisis cartográfico sobre diversas condiciones políticas, económicas y sociales que vive la ciudad de Monterrey, esta investigación parte del proceso de re-organización de la metrópolis a partir del 2010 hasta la actualidad.

Dentro de este estudio Daniel aborda un análisis del movimiento y flujo ciudadano en relación con el trabajo laboral, como también el crecimiento de la violencia que influye en la disminución económica de empresas, negocios y locales, provocando una migración social dentro de la misma ciudad a partir de los niveles económicos de ciertos municipios.

Estas cuestiones influyen en la experiencia urbana, desencadenándose en el crecimiento excesivo de tráfico automovilístico, siendo éste el principal factor que transforma el movimiento laboral, cultural, político y económico de la ciudad.

www.danielperezrios.weebly.com

Abierta hasta el 18 de Abril

LEARN TO WALK de Ricardo Salcido | Intervención de Espacio

El cuaderno de trabajo de un artista no sólo es la herramienta de soporte en la que se registran ideas sino también es un mundo independiente en el que página a página se arma la narrativa de un proceso de trabajo. Ricardo usa sus cuadernos como diarios en los que compila experiencias de todo tipo, traduciendo momentos de vida que se suceden y que quedan en el papel.  En esta ocasión ha decidido abrirlos para trasladar algunos elementos,  que muestran en la crudeza de sus trazos la representación de la fantasía teenager, que despreocupada de academicismos formula dibujos cargados de un fuerte anhelo por vaciar gráficamente todas las aspiraciones de identidad irreverente, así como de mostrar los deseos libidinosos sin censura. Esta Intervención es un gran diario cuya intimidad ha quedado expuesta, incitándonos a husmear o a compartir fantasías culposas, a la vez que ilustra abiertamente la evasión y el descaro con que se puede enfrentar al mundo.

www.pumpumpum.com

Abierta hasta el 30 de Septiembre

VÍBORA DE TRES COLAS de Miriam Castillo | Intervención de Espacio

Víbora de tres colas

Intervención de Espacio de Miriam Castillo

A través de un proceso de auto reconocimiento Miriam Castillo ha desarrollado esta propuesta mediante la disciplina que es su vocación: la Ilustración. Este análisis la llevó a materializar en una imagen la traducción de la observación de su ser interno. De naturaleza terrestre y de piel cambiante la serpiente es el símbolo de independencia de la fuerza creativa y representa reinvención continua, por tal motivo esta intervención se presenta tanto manifestación del movimiento dinámico así como el testimonio del crecimiento en la práctica y la práctica del crecimiento.

www.miriamcastillo.com

Abierta hasta el 31 de julio

Producción realizada con el beneficio derivado del artículo cuadragésimo segundo del Presupuesto de Egresos de la Federación 2012

El Centro Cultural Border, en colaboración con la Secretaría de Relaciones Exteriores y con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, presenta la itinerancia por Asia-Pacífico de la muestra SÓLO QUIERO EL UNIVERSO, conformada por la obra de catorce artistas emergentes menores de treinta años.

1.0 – TOKIO

Espacio Mexicano.

Embajada de México en Japón.

Inauguración: 14 de marzo, 2013.

Clausura: 10 de abril, 2013.

2.0 – SINGAPUR

Mayo | Junio

3.0 – TAIPEI

Noviembre | Diciembre

ARTISTAS

Alejandra Baltazares | Andrea Sicsik |  Dhear | Dulce Jiménez | Curiot |  Marti Guerrero |  Fernando Pizarro | Juan Pablo Villegas | Rita Ponce de León | Karina L. Vega | Marissa Viani | Patricio José |  Trash | Uriel López Peña |

La frase “Sólo Quiero el Universo” parece evocar un imposible: el deseo del ser humano de vivir Lo Absoluto. Vivir aquello que todo lo invade, aquello que todo lo traspasa, podría incluso entenderse como el fin último de la existencia. En el marco de la contemporaneidad y con el objetivo de alcanzar tan magno propósito, parece abrirse camino una postura ciertamente liberadora: la conciencia del sentido espiritual es un camino personal.

“Sólo Quiero el Universo” presenta la obra que 14 artistas emergentes mexicanos menores de treinta  años han producido con la intención de explorar su propio sentido de lo espiritual. Las propuestas artísticas que conforman la exposición no son parte de un discurso curatorial concreto. Cada artista invitado se expresa en sus propios términos, sin la necesidad de encajar en un discurso teórico o empírico ajeno a sus propias convicciones o experiencias, reflejando así diferentes aproximaciones a partir de las cuales el espectador puede entrever, reconocer o aseverar su propio sentido de lo espiritual.

Las piezas de dibujo, gráfica, pintura, escultura, y video esbozan la relación del individuo con su propio sentido espiritual y el peso de éste en la cultura contemporánea, con el objetivo de que el espectador conjugue a su vez sus propias ideas y experiencias en torno a su propia conciencia del sentido espiritual.

 
Eugenio Echeverría

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“If I could only have the Universe” is a phrase that seems to evoke an impossible: the human impulse to experience Absoluteness. To experience that which all invades, that which all trespasses could even be understood as the ultimate existence’s finality. With the contemporaneity as a frame and with the objective to pursue such a great purpose, a liberating stance seems to appear: the meaning of the spiritual consciousness is a personal path.

“If I could only have the Universe” presents the works of fourteen Mexican young artists under 30 years old, who have produced with the intention to explore their own spiritual inner-self. The artistic proposals of the pieces featured in the exhibition do not necessarily articulate a single curatorial narrative. Each invited artist express in its own terms, without the aim to suit a specific theory or empiric position that could alienate their own convictions or experiences. Each artist depicts a different addressing point from which the viewer can have a glimpse, recognise or assure the meaning of his or her own spiritual consciousness.

Each drawing, graphic, painting, sculpture or video outlines a relationship between the individual’s spiritual consciousness and its meaning in a contemporary culture, in order that the viewers may be able to combine their own ideas and experiences around their own consciousness of the spiritual meaning.

Eugenio Echeverría

SÁBADO 9 DE MARZO 2013, DE 12 A 15 HORAS.
MUSEO DEL CHOPO / MEDIATECA

Del Proyecto Negro Líquido.

Mientras Alÿs en Paradox of Praxis derrama su hielo al silencio, Araki derrama a su modelo al gemido, mientras uno elimina el mínimo el otro acumula el placer. Pulsión/represión, sometimiento, línea-tensión, tradición occidental de lo artístico y tradición erótica oriental, el objeto y la evidencia, el cachondo y el caminante arrogante, el manoseo, gastar-verter, llenar el vacío-vaciar lo lleno, humedad, mancha.

Utilizo el dibujo como manera de emprender un viaje al mundo inasible. Un viaje tras las Grandes Imágenes, imágenes prototipo. Tomando notas de viaje. Vistiéndome de tipos, proto-tipos de viajeros que engullan fragmentos de imágenes y las arrojen -el mundo vuelto a arrojar-. En un extravío no aleccionador. Entendiendo la vida vivida como una materialización por trozos de imágenes recortadas, de planos múltiples sucediéndose simultáneamente. Trabajo a la entrega de mis obsesiones y deseos. De buscar una sintomatología que exagere mis apetitos, que exagere el probable devenir del yo creado.

Aarón Jiménez

Para ver más de su trabajo da click en Aarón Jiménez

Para ver el registro de la intervención da click en Nobuyoshi Araki – Francis Alÿs

Producción realizada con el beneficio derivado del Artículo Cuadragésimo Segundo del Presupuesto de Egresos de la Federación 2012

“Vivir: especializarse en el error. Burlarse de las verdades indubitadas, no hacer caso de lo absoluto, tomar a broma la muerte y transformar lo infinito en azar”

E.M. Cioran

La escuela es aquella institución donde se da nuestra primera inserción en sociedad, en ella se imparte toda una serie de códigos éticos que serán de importancia en el desempeño de la vida adulta; sin embargo, el alumnado incurre en crear sus propias normas, basadas en la constante tensión de ser el sometido o el sometedor. A ésta práctica se le define con el anglicismo “Bullying”. Este sistema de relaciones de poder emplea el castigo físico y psicológico para su funcionamiento, y por darse desde una temprana edad aparenta ser un comportamiento innato del hombre.

Hasta momentos recientes el bullying se empezó a considerar moralmente incorrecto, sin embargo es una práctica antaña que se ha transmitido entre generaciones de manera empírica. Este sistema de organización condiciona a escala las relaciones de poder y transmite esta constante fricción que durante la vida adulta simplemente evoluciona, funcionando así como un simulacro de sociedad. El bullying, o acoso escolar, reúne toda una serie de conocimientos, posee una metodología, un glosario y jerarquías, y es parte de la vida cotidiana del alumnado.

“Breviario de los vencidos”  se conforma por una serie de piezas que documentan estas actividades. Cada una emula maneras de organizar el conocimiento, comúnmente empleadas en la institución escolar, buscando cuestionar la manera en que éste se construye.

Uriel López

Para ver el video del recorrido de la Exposición da click en Breviario

Producción realizada con el beneficio derivado del Artículo Cuadragésimo Segundo del Presupuesto de Egresos de la Federación 2012

BREVIARIO DE LOS VENCIDOS / APUNTES SOBRE ACOSO ESCOLAR de Uriel López Peña | Exposición individual

NOBUYOSHI ARAKI – FRANCIS ALŸS del Proyecto NEGRO LÍQUIDO de Aarón Jiménez | Intervención de espacio

Producción realizada con el beneficio derivado del artículo cuadragésimo segundo del Presupuesto de Egresos de la Federación 2012

La presente convocatoria cierra el 12 de abril 2013

Jueves 24 de enero 2013, de 18 a 20 horas

Galería Arnold Belkin.Museo Universitario del Chopo.

Ejercicio de análisis y autocrítica de los artistas beneficiarios sobre su propio proceso de desarrollo de proyecto y producción de obra.

Artistas participantes: Uriel López, Dulce Jiménez, Julio Godefroy, Tomás Díaz Cedeño, Yorchil.

AL FINALIZAR LA ACTIVIDAD SE PRESENTARÁN Y ENTREGARÁN IMPRESAS LAS BASES DE LA BECA ADIDAS BORDER 2013

Galería Arnold Belkin.Museo Universitario del Chopo.

Inauguración de la muestra Beca adidas Border 2012. La exposición presentará la obra que, siendo producida en el periodo junio – noviembre 2012, ha sido seleccionada por los artistas y por el director de la Beca adidas Border, Eugenio Echeverría. A las 20 horas Dulce Jiménez presentará el performance “Tensión y Distensión”

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

En la nueva economía las cejas van a desaparecer y ese espacio será alquilado para espacios publicitarios.

¡Morfosis amigos! La tecnología y sus patologías usadas por adolescentes republicanos, policías de la libido y el supernintendo.

Anime rendereado, la nueva era del capital cultural. 5to encuentro de Cosplay en la pirámide de Chicen Itza.

Zordon en una tina de flouxetina efervescente.

¡Larga vida a la nueva carne! Eso dijo ella.
 

Para ver el video del proceso da click en Apunte para una coreografía de la nueva carne

DAN DRYER

“Desplazamiento”

Astrid Piethan y Jörg Koslowski conforman el grupo DAN DRYER. Su obra se basa en la Instalación y el video como  soportes principales. Ellos trabajan con la idea de la deconstrucción y la transfieren dentro del espacio.

Dan Dryer agradece a las Instituciones Alemanas IFA de Berlín y Staatskanzlei NRW de Düsseldorf por el apoyo brindado para esta visita a la Ciudad de México.

www.dan-dryer.de

Daniel Aguilar Ruvalcaba-

“Apunte para una coreografía de la nueva carne”

Es originario de León, Guanajuato y fundador del espacio Biquini Wax con sede en la misma ciudad, el cual ha activado la escena del arte local gracias a proyectos artísticos que se alejaron del formato galería y al desarrollo de talleres y charlas con artistas de la escena del arte contemporáneo mexicano. Además de ser artista plástico ha desarrollado varios proyectos editoriales en los cuales experimenta con los medios impresos y con diferentes alternativas de producción dentro de los que destaca apoyado por el PAC.

Actualmente forma parte de Programa Educativo de Soma en México, D.F.

INAUGURACIÓN: Jueves 25 de octubre, 21 horas.

Bienvenidos a Capilla Abierta, un espacio poblado de citas.

Los trabajos presentados en la exposición Capilla Abierta han sido realizados en colaboración entre artistas – desde fuera -, y adolescentes en conflicto con la Ley – desde dentro -. Los artistas residen en México y Argentina, los adolescentes  se encuentran cumpliendo medidas legales en las Comunidades de Tratamiento Integral del Distrito Federal, México. 

Esta experiencia se funda bajo un principio de intercambio, donde la autoría tiene otro sentido: o se desdibuja, o se comparte. Cada trabajo surge de una propuesta de colaboración, de representaciones de otras representaciones, de un proceso abierto y al descubierto. 

En contextos como este se trabaja, sobretodo, desde la sensibilidad. Si no hay empatía, no existe la posibilidad de hacer. Si no hay materiales, se recicla o se inventa. Como dijo Boetti: si el espacio es pequeño, las posibilidades son enormes. 

Dentro del espacio de trabajo hay restricciones, porque todo es susceptible de convertirse en un arma. Sin embargo, siendo este espacio un escenario de convivencia pacífica, respeto y tolerancia, los materiales no son arma sino herramienta para traer el mundo al mundo (1), dentro de esa enorme pequeñez.

En Capilla Abierta colaboran: Lucas Di Pascuale, Belén Moro, Gonzalo Rocha, Guido Yannito, Eliana Zaghis, Javier González y un grupo de adolescentes de la Comunidad de Diagnóstico Integral para Adolescentes en Conflicto con la Ley, cuya identidad se preserva. 

Ana Gilardi

(1) Alighiero Boetti. Casi todo. Editorial Fundación Proa. Buenos Aires, Argentina.

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Proyecto curatotial de Ana Gilardi

Bienvenidos a Capilla Abierta, un espacio poblado de citas.

Los trabajos presentados en la exposición Capilla Abierta han sido realizados en colaboración entre artistas – desde fuera -, y adolescentes en conflicto con la Ley – desde dentro -. Los artistas residen en México y Argentina, los adolescentes  se encuentran cumpliendo medidas legales en las Comunidades de Tratamiento Integral del Distrito Federal, México.

Esta experiencia se funda bajo un principio de intercambio, donde la autoría tiene otro sentido: o se desdibuja, o se comparte. Cada trabajo surge de una propuesta de colaboración, de representaciones de otras representaciones, de un proceso abierto y al descubierto.

En contextos como este se trabaja, sobretodo, desde la sensibilidad. Si no hay empatía, no existe la posibilidad de hacer. Si no hay materiales, se recicla o se inventa. Como dijo Boetti: si el espacio es pequeño, las posibilidades son enormes.

Dentro del espacio de trabajo hay restricciones, porque todo es susceptible de convertirse en un arma. Sin embargo, siendo este espacio un escenario de convivencia pacífica, respeto y tolerancia, los materiales no son arma sino herramienta para traer el mundo al mundo (1), dentro de esa enorme pequeñez.

En Capilla Abierta colaboran: Lucas Di Padcuales, Belén Moro, Gonzalo Rocha, Guido Yannito, Eliana Zaghis y un grupo de adolescentes de la Comunidad de Diagnóstico Integral para Adolescentes en Conflicto con la Ley, cuya identidad se preserva.

Ana Gilardi

(1) Alighiero Boetti. Casi todo. Editorial Fundación Proa. Buenos Aires, Argentina.

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

www.carmensegovia.net

Ilustradora Catalana, nace en 1978 en Barcelona, España. Es representada en Estados Unidos por Marlena Agency y en Alemania por 2Agenten. Además de sus contribuciones en prensa y con las agencias ha colaborado con bandas y proyectos musicales y desarrolla series de pintura y dibujo personales. Entre los libros que ha publicado con varias editoriales a nivel internacional están Mitsu y Lala, Brownie Ghroundhog and the february fox de Susan Blackaby, Chiquilladas y otros cuentos de Hans Christian Andersen, entre otros, en México puedes conseguir en el Fondo de Cultura Económica el libro El cuento del Pingüino de Antonio Ventura con sus ilustraciones.

Para ver el video del Proceso de la Intervención da Clic en Why? What?

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

¿Puede una pregunta producir un dibujo? Entre Lineas es un proyecto cuyo proceso consiste en explorar cómo una pregunta puede movilizar el gesto de personas de diferentes procedencias y perfiles, haciendo visible -por medio de dibujo sobre video- la forma del gesto con las manos. Cada dibujo resultante contiene una respuesta, provocada por la palabra, sobre una descripción a partir de la memoria.

La exposición muestra 6 piezas conformadas por una selección de 12 respuestas de 12 participantes que son parte de 50 entrevistados a la fecha y un material de más de 600 respuestas. A partir de las relaciones y significados entre parejas de participantes, la selección de preguntas para la exposición aborda a los objetos, espacios, relaciones y parentescos que vinculan a estos pares de personas, trabajando de formas diversas con el dibujo de sus gestos. El dibujo explora la escala, el material, el volumen y el medio propio de las descripciones originales, derivándose en procesos colaborativos en medios diversos como grabado, escultura, modelado en 3d, instalación, y composición sonora.

Julio- Octubre de 2012

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría, Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México.

Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría

Inicio, 2011, Madera, plástico, cuerda, piedra, cobre y cartón

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Esta vídeo instalación utiliza la señal de vídeo que transmite el sitio en Internet blueservo.net creada por The Texas Border Sheriff’s Coalition (TBSC) en la cual tienen por finalidad proteger el territorio Estadounidense de la inmigración ilegal, el tráfico de drogas entre México y Estados Unidos de Norte América y cualquier actividad delictiva.

Esta Community Watch invita a los ciudadanos estadounidenses a participar en un coto de caza virtual. La maquinaria de vigilancia digital tiene, por una parte, la función de criar y domesticar ciudadanos aptos para la cetrería. Por otra parte, mediatiza o amortigua la violencia de la caza directa transformando el acecho y la matanza de la presa en una suerte de videojuego que evita al cazador las arbitrariedades del desierto texano.

En este sentido las imágenes aquí presentadas resultan a la vez un objeto estético y moralmente comprometedor, en la medida que son el testimonio de crímenes cometidos y por cometer.

Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría

Fe, 2012, Laminadura de Fierro, imán, motor, sistema conductivo, Video 2’36″

Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría

Mi desición, 2012, Tinta china sobre soga y varilla de fierro

Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría

Neuzz, Nahual, 2011, Laca sobre mdf

Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría

Amor Muñoz, Y aquí me tienes cantando bajo tu sombra…, 2012, bordado con hilo y tela de algodón, hilo conductivo y componentes electrónicos.

Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría

Helena Fernández Cavada, Necesito un hueco para entrar en mí, 2011, vidrio, hilo, piedra, cristal, zapato y huevo

Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría

Enrique Minjares, Al rincón, Óleo sobre tela, 2012

Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría

José Luis Rojas, El círculo de la vida, 2012, cajas de medicina, espuma de poliuretano, poliestireno expandido, MDF, esmalte, pintura acrílico

Exposición Realizada en el CECUT, Tijuana, México

Pieza que fue parte de la exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría

Ramiro Chaves, Pampita, 2006-2007, Fotografía, Impresión Cromogénea

A ROOM FOR TWO AND MANY MORE. David Horvitz y Juliana Mundim. 

Un proyecto de Fernanda D´Agostino y Violeta Solís Horcasitas

La idea de presentar obras de David Horvitz y Juliana Mundim en un formato de sala de proyectos o project room,

piezas que originalmente están disponibles o han sido concebidas para la red, desafía a los artistas a crear

traducciones de obras de naturaleza efímera y colaborativa para un espacio físico. Tanto Horvitz como Mundim

parten de la premisa de que la producción creativa puede ser espontánea, libre, y al mismo tiempo, insertarse en

una amplia red de intercambios, como los que ofrece internet.

26, 27, 28 y 29 de JULIO 2012 / CCBosque

DESCARGAR PROGRAMA COMPLETO:

http://www.ccb.bellasartes.gob.mx/images/ccb_50aniv.pdf 

El Centro Cultural del Bosque (CCB) celebra medio siglo dedicado a la producción, enseñanza, difusión y reflexión de las artes escénicas en México. Para  festejarlo se presentará un programa especial multidisciplinario, con propuestas que se extienden a todos sus espacios.

El teatro y la danza serán protagonistas con importantes compañías nacionales e internacionales, presentadas por las Coordinaciones Nacionales de Teatro y Danza.

También participan la Escuela Nacional de Danza Folklórica y el Cuarteto Aurora, integrado por solistas de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, quienes compartirán con el público parte de la diversidad artística que coincide en el CCB.

Las artes escénicas son generadoras naturales de colabora- ción y experimentación artística. El CCB será escenario de otras disciplinas para celebrar y resignificar un espacio públi- co abierto a la creación, cuya obra es una invitación a los artistas de otros géneros y a sus públicos, a disfrutar de uno de los recintos de mayor tradición escénica.

La exposición CCB-Fotográfico, sobre Paseo de la Reforma, muestra más de 50 imágenes de puestas en escena en los últimos 30 años.

Nos complace conmemorar con los creadores, colaborado- res, trabajadores del INBA y especialmente con el público esta celebración a la que todos están invitados.

CCB·Sessions

Concierto de arte sonoro, música electroacústica y danza contemporánea

CCB sessions sitúa al espectador desde una perspectiva del escucha como partícipe de la sinergia propia de la improvisación libre y del live-art. Los grupos, músicos y bailarines participantes generan atmósferas lúdicas a partir de estrategias audiovisuales y escénicas.

Cada grupo y anti-grupo aborda la presencia y desarrollo escénicos desde diversas influencias: estrategias visuales como el performan- ce, la danza contemporánea, la música post-punk, el free jazz y el noise, entre otros.

Ambientes festivos y reflexivos, de fenomenología acústica y hedonismo musical invitan al público a celebrar estos 50 años de creación escénica y la pluralidad de lenguajes artísticos que han hecho del Centro Cultural del Bosque su escenario.

CCB·Contemporáneo

Intervenciones de artes visuales, arte sonoro, graffiti y esténcil a los espacios públicos del CCB.

INTERVENCIONES DE SITIO ESPECÍFICO

La serie de intervenciones de sitio específico para el 50 aniversario del Centro Cultural del Bosque resignifican y recodifican la función de los espacios de este complejo cultural escénico, abriéndose hacia un diálogo intermedial y multidisciplinario con la presencia de obras de artistas que utilizan distintos medios, recursos y estrategias de representación para involucrar a los diversos públicos de este recin- to cultural.

A través del arte sonoro, al “hacktivismo”, acción, instalación y la conectividad en tiempo real de múltiples usuarios con redes socia- les, cada artista invitado es representativo de la riqueza y compleji- dad de la escena artística actual en México.

Tanto a nivel fenomenológico, de percepción de los espacios, como a nivel textual (histórico-social), las cuatro intervenciones ocupan intersticios temporales o espaciales, alterando momentáneamente las condiciones de los sitios intervenidos, subvirtiendo su función, o añadiendo capas de lectura a la arquitectura, áreas de circulación y mobiliario urbano propios del lugar, para sumar nuevas lecturas a partir de las estrategias del arte contemporáneo.

Bárbara Perea

Curadora

INTERVENCIONES CENTRO CULTURAL BORDER

El Centro Cultural Border, centro cultural independiente reconocido por impulsar y fortalecer la escena del graffiti mexicano, presenta tres intervenciones que esbozan las diferentes líneas estéticas y discursivas del graffiti mexicano actual.

Dhear, plantea un mural de estética autoral que juega con la idea del movimiento y el cuerpo con el fin de enmarcar la entrada al Teatro de la Danza. Colectivo Chachacha!, presenta en el corredor conti- guo a la Compañía Nacional de Danza la “Palomilla”, una pinta en aerosol y vinílica a partir de la construcción de la identidad desde la infancia. Finalmente el reconocido colectivo La Piztola, originario de Oaxaca, enriquece la propuesta al trabajar una estética gráfica a partir del esténcil sobre los razgos arquitectónicos más distintivos del CCB, como acento, señalamiento y juego.

Eugenio Echeverría

Fundador Centro Cultural Border

PROGRAMACIÓN

Jueves 26 de julio, 2012

13:00 horas – Inauguración | CCB-CONTEMPORÁNEO Intervenciones de artes visuales, arte sonoro, graffiti y esténcil en diversos espacios exteriores del CCB. Areas libres del CCB

Participan:

Enrique Ježik. Artista visual cuya obra se ha expuesto de manera individual y colectiva alrededor del mundo; reflexiona sobre el poder, la violencia urbana, la vigilancia y la guerra, mediante acciones, escultura y video.

Obra: Intervención a la remodelación del CCB.

Astrovandalistas. Laboratorio de acción descentralizada dedicado a la construcción de herramientas tecnológicas “open hardware”. Obra: Arma Sonora Telemática (A.S.T.) con pendones motorizados y agentes percutivos.

Manuel Rocha Iturbide. Uno de los más destacados artistas sonoros de México. Obra: Instalación de inspiración zen que confor- mará un instrumento automatizado en los espacios abiertos del CCB.

Iván Abreu. Artista visual que trabaja con diversos medios reinterpretando las diferentes cargas políticas e históricas de los espacios. Obra: Intervención sobre la arquitectura de uno de los teatros.

Dhear. Graffitero y artista visual, que aborda fenómenos naturales entendi- dos como punto de partida para narrar cuestiones relacionadas con el ser humano en sociedad. Interviene la fachada del Teatro de la Danza.

Colectivo La Piztola. Funge como “cronista” a partir del esténcil, de las acciones y omisiones de las autorida- des con la sociedad civil, en torno a cuestiones sociales. Interviene la fachada de la Escuela Nacional de Danza Folklórica

Colectivo Chachachá. Conformado por los artistas del graffiti: Raymundo Rocha y Dayron López, insertos en el campo de la Gráfica Urbana, el dibujo y la ilustración en torno a la cultural popular, como elementos de cons-trucción de identidad. Intervie- nen el pasillo continuo a la Compañía Nacional de Danza.

Las intervenciones permanecerán hasta el 30 de agosto de 2012

Viernes 27 de julio, 2012

17:30 horas – Inauguración | CCB-FOTOGRÁFICO Exposición de más de 50 de fotografías de obras de teatro y danza presentadas en los teatros del CCB en los últimos 30 años, tomadas por destacados fotógrafos especializados en artes escénicas. En colaboración con el Gobierno del Distrito Federal y Laboratorio Mexicano de Imágenes (LMI). Galerías abiertas de la Secretaría de Cultura del D.F.

Av. Paseo de la Reforma, entre la Glorieta de la Palma y Av. Insurgentes, del 27 de julio al 2 de septiembre de 2012

19:00 horas – Música | CUARTETO AURORA Integrado por solistas de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes del INBA interpreta un programa de música contemporánea de los compositores mexicanos Horacio Uribe y José Rolón. Estreno mundial de las obras:

De arboles y raíces de Ana Cristina Caelen Imágenes de Gerardo Meza

Sala CCB. Cupo limitado 20:00 horas – Danza

BALLET NACIONAL SODRE DE URUGUAY Dirigido por el coreógrafo Julio Bocca uno de las más importantes figuras de la danza de nuestros tiempos, en su propuesta de progra- mas de su Gira Americana 2012, rinde honores a la producción de los grandes creadores, apostando a la tradición clásica/neoclásica y así como a la experimentación de nuevos lenguajes coreográficos. Programa: Doble corchea, Adagietto, Pas de trois El corsario, Without words, Tango y candombe. Presentado por la Coordinación Nacional de Danza. Teatro de la Danza. Cupo limitado. RSVP. Acceso con invitación

Sábado 28 de julio, 2012 20:00 horas – Varias disciplinas | CCB-SESSIONS

Danza contemporánea, arte sonoro, música electroacústica y rock.

Plaza Ángel Salas. Cupo limitado. Acceso mayores de edad con identificación (sin bultos, alimentos, ni bebidas)

Irish Modern Dance Theatre (IMDT). Bajo la dirección del coreógrafo John Scott, esta agrupación se ha consolidado como la compañía pionera del arte de la danza en Irlanda. Presenta: “The Bowing Dance” y “Actions” del coreógrafo John Scott, con música de Meredith Monk “Embody” del coreógrafo y bailarín Philip Connaughton. El IMDT agradece al Consejo de Cultura de Irlanda (Arts Council, Culture Ireland) y la Ciudad de Dublín (Dublin City) por su apoyo constante.

Generación Espontánea. Antibanda de improvisación libre con malas influencias de todo tipo, presenta una sesión quimérica de improvisación libre con influencias eclécticas del rock, noise y free jazz hasta la electroacústica contemporánea. Integra- da por los músicos Carlos Alegre (violín), Darío Bernal Villegas (batería y percusión), Alexander Bruck (viola y violín Stroh), Ramón del Buey (clarinete bajo), Isaac de la Concha (teclados, guitarra y voz), Misha Marks (guitarra, trombón y acordeón), Adnán Márquez (saxofón alto) y Fernando Vigueras (guitarra electrónica).

Colectivo Fractual. Grupo de danza que fusiona diversos elementos clásicos para explorar la descomposición del movimiento del cuerpo en el espacio. Presenta “Proporción áurea”, coreografía de Francisco Rojas. Integrado por los bailarines Lorena Kesseler, Francisco Rojas y Lizeth Rosano.

Francisco Eme y Moisés Regla. Artistas sonoros mexicanos de trayectoria interna- cional, trabajan a dúo la experimentación musical y sonora en diálogo con las artes visuales y los nuevos medios.

Zerumen. Dueto conformado por Rogelio Sosa (guitarra eléctrica) uno de los artistas sonoros más presitigiados y Juanjo Rivas (procesos electrónicos) Presen- tan una sesión de improvisación sonora con medios electrónicos.

Beso Negro. Trío de rock clásico veterano.integrado por Miguel Calderón destaca- do artista multidisciplinario, Julián Lede integrante de grupos como Melamina Ponderosa y Titan, cofundador y dueño del sello discográfico Nuevos Ricos y Eduardo Pacheco músico y productor de grupos de rock electrónico.

Domingo 29 de julio, 2012

12:00 horas – Danza y música | CCB-DOMINGO Con el Grupo Representativo de la Escuela Nacional de Danza Folklórica del INBA, y el internacional grupo de son veracruzano Mono Blanco, ofrecerán una fusión de danza y música tradicional para toda la familia, dedicada a los empleados del CCB y el INBA. Escenario temporal CCB 50, Plaza Ángel Salas

Teatro, danza y música | CCB-EN ESCENA Con el valioso apoyo de la Coordinación Nacional de Teatro, las puestas en escena programadas este domingo se presentarán gratuita- mente:

Teatro Julio Castllo

MARTINA Y LOS HOMBRES PÁJARO

De Mónica Hoth Dir. Miguel Ángel Gutiérrez 12:30 horas

TEMPORAL

Paráfrasis y dir. Flavio González Mello

18:00 horas

Sala Xavier Villaurrutia

EL GRILLO

De Suzanne Labeau Dir. Sandra Rosales 13:00 horas

UBÚ REY

De Alfred Jarry Dir. Ihonatan Ruiz 18:00 horas

ccb.bellasartes.gob.mx teatro.bellasartes.gob.mx

Teatro El Galeón

A LA DERIVA JOC

Adaptación y dir. Jacqueline Serafín

13:00 horas

OSCURO

De Edgar Chías Dir. Marco Vieyra 18:00 horas

Teatro Orientación

INBA a través de la CNMO – IMSS

2o el DO le dijo al RE, festival de música para niños. ¿POR QUÉ LA FLAUTA SE VOLVIÓ MÁGICA? Miguel Ángel Villanueva 12:00 horas

Ciclo de Clown / FIU FIU Dir. Nubia Alfonso 18:00 horas

CONACULTA

Instituo Nacional de Bellas Artes

CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE | 50 ANIVERSARIO CIUDAD DE MÉXICO, JULIO DE 2012

CONACULTA

Consuelo Saizar Presidenta

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES

Teresa Vicencio Álvarez Directora General

Sergio Ramírez Cárdenas Subdirector General de Bellas Artes

José Luis Gutiérrez Ramírez Director de Difusión y Relaciones Públicas

Arturo Delgado Fuentes Director del Centro Cultural del Bosque

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Para ver el proceso de la Intervención da Clic en PALOMILLA

Chachacha! es un colectivo de graffiti fundado en el 2007 por Raymundo Rocha y Dayron López. Su trabajo es importante en tanto hacen uso del aerosol con fines totalmente discursivos. El objetivo del colectivo no es el alarde técnico ni la consagración de las estéticas low brow, tan de moda actualmente, sino la aproximación a temáticas de carácter social que buscan desencadenar procesos reflexivos en el espectador. Por tradición el graffiti es un movimieto popular y, en sus inicios, contracultural. Con el paso de las décadas, especialmente a partir de los 90´s, los artistas que utilizan el aerosol como herramienta técnica han ido perdiendo la voluntad de cuestionar y confrontar problemáticas generalizadas para pasar a engrosar las líneas del mainstream del arte y del diseño. Por lo mismo resulta valioso el trabajo de colectivos que como Chachacha!, La Piztola, o Arte Jaguar, buscan regresar al ciudadano parte de lo que sucede en su diario vivir.

En palabras de los integrantes del colectivo: “Retratamos de una manera personal y nostálgica, lo que nos conforma, nos interesa y define; hacemos de esta práctica una observación constante sobre la sociedad y sus costumbres, reafirmando así, una manera de entender la cultura actual.”

Bajo esta premisa presentan la intervención “Palomilla”. Raymundo y Dayron ponen en primera línea, literal y metafóricamente, las microsociedades que representan las pandillas infantiles y juveniles. En dicho contexto es que hemos aprendido sobre roles sociales, relaciones interpersonales, y juegos de poder experimentando con valores como la amistad, la confianza, y la honestidad, y antivalores como la traición, la mentira y el abuso.

“Las microsociedades barriales – como lo definen los miembros del colectivo -  intervienen en este proceso de desarrollo de muchas maneras; las actividades que realizan sus integrantes y el sistema de valores compartido pueden ampliar o restringir en los niños su percepción de la realidad, de lo que puede ser modificado, de su valor como persona y de su derecho a opinar, aspirar y protagonizar en la vida.”

El colectivo Chachacha! nos invita a entender la infancia, terreno simbólico idealizado por el  inconsciente colectivo, como el inicio de un despertar más amargo que tierno. Así se puede leer desde el tratamiento estético técnico del mural que, estando al servicio del discurso, juega con un gama cromática inusual y ambigua asi como una disposición y tratamiento de personajes que confronta de manera directa la percepción del espectador.

Eugenio Echeverría

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Para ver el registro de la Intervención da Clic en EL PASAJE DE GORATHMA

INICIAMOS: 17 DE SEPTIEMBRE 2012

4 PLAZAS DISPONIBLES

PRÓXIMO EXAMEN DE ACCESO: DOMINGO 2 DE SEPTIEMBRE 2012, 10 HORAS.

Informes:

Marisela Bernardino / t. 01 55 55 84 75 57 / marisela@border.com.mx

Consulta el plan de estudios, costos, e información relevante: ACCEDER A LA WEB DEL DIPLOMADO EN MODA CONTEMPORÁNEA

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Desde el 2009 Trash se ha enfocado en el retrato de personajes que buscan  reflejar los conflictos existenciales propios del ser humano, a partir del dibujo y la pintura en pequeño y gran formato.

Durante la realización de este proyecto el artista ha producido una serie de dibujos en mayor formato que el acostumbrado, y un mural con graffito desarrollado a partir del juego entre luces y sombras. Acostumbrado a realizar composiciones simples con personajes centrados y confrontados directamente con el espectador, Trash se ha propuesto explorar nuevos formatos compositivos complejizando su propuesta e incluyendo elementos que podrían advertir cierto enriquecimiento narrativo.

Con este objetivo el artista ha buscado potencializar los múltiples universos emocionales que han caracterizado su obra abriendo los cuerpos de sus protagonistas. Los personajes, que previamente aparecían sin ánimo,  desesperanzados, estoicos ante el vacío, ahora se muestran desmembrados, en un intento, quizás, de deshacer y redefinir la propia identidad. Estos personajes, proyección de las experiencias y vivencias de Trash, son el eje narrativo del incipiente cuerpo de obra del jóven artista.

Tras tres años ejercitando y desarrollando su propuesta, y tras 5 semanas trabajando en la galería del Centro Cultural Border, Trash presenta su primera exposición individual.

Eugenio Echeverría

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

La obra de Alejandra Baltazares profundiza en los procesos cotidianos de generación de belleza, narrados desde la materia prima y obedeciendo a lo que ésta dicta desde su propia estética. Independientemente de que el resultado de aplicar dichos materiales o recursos en determinada persona sea socialmente consensuado como bello o no bello, la artista revela que el mismo proceso, el ritual en sí, contiene belleza por el mero hecho de buscar evocarla.

Eugenio Echeverría

MIÉRCOLES 18 DE JULIO 2012, 8:00 PM

INAUGURACIÓN “SÓLO QUIERO EL UNIVERSO” Exposición colectiva / Sala Planta Baja del Cecut

Participan: Alejandro Berea (DF), Amor Muñoz (DF), Andrea Sicsik (GDL), Antonio Domínguez (TAB), Carlos Olvera (MTY), Dhear (DF), Dulce Chacón (DF), El Norteño (TJ), Enrique Minjares (ENS), Fernando Pizarro (DF), Gustavo Abascal (DF), Helena Fernandez-Cavada (ESP), Javier Campuzano (DF), José Luis Rojas (DF), Juan Pablo Villegas (DF), Karina L. Vega (TJ), Marissa Viani (DF), Neuzz (DF), Patricio José (EDO. MX), Ramiro Chaves (ARG), Rita Ponce de León (PERÚ), Santiago Izcoatl (DF), Tania Solomonoff (ARG), Trash (DF).

Curaduría: Eugenio Echeverría

JUEVES 19 DE JULIO 2012

JORNADA DE REFLEXIÓN EN TORNO AL EJERCICIO DEL ARTE ACTUAL

Cuatro paneles de discusión cuyo objetivo es generar debate y desencadenar procesos reflexivos en torno a la práctica artística contemporánea, desarrollada desde la producción, gestión, difusión y consumo. Dado el carácter puntual de esta jornada se plantea generar interrogantes en torno a tres temas: lo hegemónico en relación a lo independiente, la relación artista-público y la importancia del marketing en el desarrollo profesional del artista. La intención no es sentenciar ni delimitar el ejercicio de la práctica, sino profundizar en las posibilidades actuales que ésta ofrece.

PANEL 1 / ¿DÓNDE SE CONSTRUYE LA IDEA DEL ARTE ACTUAL MEXICANO? / 10:00 am -11:30 am

¿Existe un discurso imperante que enmarca y acota la producción y concepción del arte actual en México?

Debate: Iván Abreu, Artista Multidisciplinario / Sergio de la Torre, Académico y Artista Visual. Modera: Violeta Celis, Investigadora y Curadora de Arte.

PANEL 2 / ESPACIOS AUTOGESTIVOS Y ESTRUCTURAS EMERGENTES: ¿CONFRONTACIÓN O IMITACIÓN? / 12:00 – 1:30 pm

¿Existe actualmente un cuestionamiento de lo establecido y ejercido desde la práctica? ¿Se están planteando y trabajando nuevas metodologías?

Debate: Rita Ponce de León, Artista Visual / Iñaki Herranz, Curador e Investigador de Arte / Violeta Solís Horcasitas, Curadora e Investigadora de Arte / Adriana Cadena Roa, Antropóloga especialista en Políticas Culturales y Gestión Cultural. Modera: María Álvarez del Castillo, Gestora Cultural.

PANEL 3 / ¿CÓMO CONVIVE EL ARTE ACTUAL CON EL GRAN PÚBLICO? / 4:00 – 5:30 pm

¿Sigue vigente el papel del artista como catalizador de las inquietudes del inconsciente colectivo? ¿Existe voluntad por parte del artista de comunicar al gran público? ¿Quiénes son los receptores principales de los proyectos de arte: el público o los agentes legitimadores? ¿Tiene el público no especializado interés en decodificar y adentrarse en las propuestas artísticas contemporáneas?

Debate: Juan Pablo Villegas, Artista Multidisciplinario / Helena Fernández Cavada, Artista Visual / Neuzz, Graffitero y Artista Visual Modera: Bárbara Perea, Crítica y Curadora de Arte.

PANEL 4 / ¿OBRA DE…? / 6:00 – 7:30 pm

¿Cómo opera el marketing en el arte actual? ¿Se puede validar el proyecto artístico si es ajeno a las estructuras de mercado o posicionamiento? ¿Cuál debe ser la motivación del artista establecido al enfrentar la producción de obra? ¿Cómo presionan curadores, galeristas y demás agentes de mercado en dichos procesos?

Debate: Amor Muñoz, Artista Visual Multimedia / Fernando Mesta Orendain, Curador y Galerista / Paulina Ascencio, Investigadora y Editora Modera: Maribel Escobar Varillas, Investigadora e Historiadora del Arte.

PRESENTACIÓN DE ARTE SONORO / 8:30 – 11:30 pm

Jueves 19 de Julio / La Casa del Túnel Art Center. Col. Federal

Viernes 20 de Julio / Pasaje Gomez. Zona Centro

VIERNES 20 DE JULIO 2012

TALLERES, ASESORÍAS, PRESENTACIONES DE PROYECTOS, CONVOCATORIA Y PECHAKUCHA NIGHT

Como clausura del Encuentro de Agentes del Arte Contemporáneo, el CECUT y el CCB presentan una plataforma de talleres, asesorías, presentación de proyectos, una convocatoria a través del proyecto mundial PechaKucha night y conciertos de arte sonoro. Con el programa de Reflexión en torno al Arte Actual se abren las puertas a la formación, el debate en grupos interesados, el intercambio de ideas y la revisión de proyectos de manera abierta, así como fomentar la convivencia de los interesados en un ambiente relajado, incluyente y de experimentación.

TALLER 1 / TÉXTILES INTERACTIVOS

Imparte: Amor Muñoz, Artista Visual Multimedia Lugar: Estudio del Artista Plástico Enrique Ciapara. Zona Centro.

TALLER 2 / PENSAR EL ARCHIVO: RESONANCIAS CONTEMPORÁNEAS

Imparte: Maribel Escobar Varillas, Coordinadora del Centro de Documentación, Ex Teresa Arte Actual. Lugar: Mezanine de El Cubo del Centro Cultural Tijuana.

ASESORÍA 1 / DESARROLLO DE UNA PLATAFORMA CULTURAL AUTOGESTIVA

Imparte: Eugenio Echeverría, Director del Centro Cultural Border. Lugar: La Tentación Galería. Pasaje Gómez, Zona Centro.

ASESORÍA 2 / ASESORIA DE PORTAFOLIO DE TRABAJO

Imparte: Dulce Chacón, Artista visual. Lugar: La Tentación Galería. Pasaje Gómez, Zona Centro.

ASESORÍA 3 / LOS PÚBLICOS POTENCIALES Y LOS ESPACIOS DE CIRCULACIÓN DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

Imparte: Maestra Adriana Cadena Roa, Contexturas: Plataforma de Investigación y Gestión Cultural / Mayarí Hernández Tamayo, Maestra en Análisis y Gestión de Arte Actual Lugar: La Caja Galería, Colonia 20 de Noviembre.

VISITA GUIADA A LA EXPOSICIÒN “SÓLO QUIERO EL UNIVERSO”. 12 PM

Artistas participantes: El Norteño (TJ), Fernando Pizarro (DF), Helena Fernández Cavada (ESP), José Luis Rojas (DF), Juan Pablo Villegas (DF), Karina L. Vega (TJ), Rita Ponce de León (PERÚ). Sala de Exposiciones Planta Baja del Cecut

PRESENTACIÓN DE PROYECTOS. 4:00 a 5:30 PM

OPERADOR DE ARTE (TJ)

Participan: Hugo Lugo, Artista Visual – Dirección / Chantal Peñalosa, Artista Plástico / Juan Villavicencio, Artista Plástico – Coordinación / Mayra Huerta, Maestra en Artes Visuales, y Aldo Guerra, Artista Visual – Asesores. Lugar: Culinary Art School. Paseo del Río, 3ra Etapa Zona Río

CONTEXTURAS (TJ)

Participan: Maestra Adriana Cadena Roa, Coordinadora de Proyecto / Mayarí Hernández Tamayo, Maestra en Análisis y Gestión de Arte Actual. Lugar: Culinary Art School. Paseo del Río, 3ra Etapa Zona Río.

CONVOCATORIA

Convocamos a todos los interesados a formar parte del PechaKucha Night 20×20 que se llevará a cabo dentro del marco del Encuentro de Agentes del Arte Contemporáneo.

CONVOCATORIA. Para ser parte del EAAC, mayores informes y registro, consultar: eaac.cecut.gob.mx / exposiciones@cecut.gob.mx

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

La reciente y abundante proliferación de propuestas pictóricas que evocan estéticas de culturas preoccidentalizadas a partir dela indumentaria y la simbología de dichas culturas no hace sino manifestar cierta inquietud colectiva. Se podría llegar a pensar que el tono evasivo y nostálgico que tienen las propuestas que miran hacia el pasado e invariablemente la redefinen- buscan en última instancia rescatar parte de aquello que fue dejado atrás.

Tulio inicia en la gráfica digital desarrollando propuestas que traducen, desde lo estético, los códices y símbolos prehispánicos enfocándose principalmente en la cultura Maya. En palabras del artista ” los códices describen y narran un universo simbólico que es altamente atractivo y relevante. Me parece importante retomarlos en insertarlos en la gráfica actual, con el objetivo de que el espectador voltee hacia su pasado histórico para revivirlo y asumirlo como propio”.

Hermosa / Aberración

Alejandra Baltazares

Exposición individual

Escribir sobre la obra de terceras personas es un ejercicio tan arriesgado como potencialmente interesante. Obligarse a observar dicha obra, buscando descubrir los matices y aciertos que la hacen reveladora y única, es quizás el punto más valioso de este ejercicio. En la obra que Alejandra Baltazares presenta en el Centro Cultural Border hay mucho de matices y aciertos provocados tras un proceso de investigación y producción de 6 años que hoy culmina.

No es lo mismo observar una fotografía de una uña inmaculadamente pintada sobre fondo blanco y encuadre simétrico, que enfrentar una fotografía de una uña despintada sobre fondo blanco y encuadre simétrico. Esta variante, que viene a mi cabeza cuando busco en las fotografías que componen la serie “Manicure”, no creo que estuviese entre las opciones descartadas por la artista. Posiblemente Alejandra quería retratar la belleza en diálogo con lo imperfecto acentuando la sublimación de lo real, por el mero hecho de serlo.

Cuando en Bolivia la artista fotografía los peinados realizados por “Pippo” el famoso estilista de los concursos de belleza, no parecía buscar la angustia de tan magno evento ni la ansiedad que éste generaba en sus protagonistas. Si no, tendríamos una fotografía frontal en primer plano de una aspirante tan tensa como bella. Los peinados que conforman la serie presentada no fueron hechos en una reina boliviana, si no en la propia artista quien encarna el personaje arquetípico como parte de su proceso de investigación. Realizado el peinado, la artista registra la acción privilegiando el objeto resultante,  ensalzando el recogido del pelo y obviando el rostro, centrándose en la belleza implícita en el juego de líneas, brillos y volúmenes revelando una composición arquitectónica e ignorando la parafernalia kitsch que puede llegar a contextualizar el arreglo.

Al visionar el video encuentro una propuesta acorde con el tratamiento de las dos series fotográficas. Al ritmo de la sensual melodía de “Je t´aime, moi non plus” de Gainsbourg, la pieza muestra las manos de un cirujano moldeando y buscando un nuevo volúmen para el pecho de una paciente. El lenguaje audiovisual, encuadres cerrados, iluminación focal y edición lineal, describen la acción como un proceso de búsqueda del objeto bello desde la construcción escultórica basada en cánones clásicos.

La obra de Alejandra Baltazares no es una apología del papel de la mujer como agente estético, tampoco es una crítica a las exigencias del guión social. La obra de Alejandra profundiza en los procesos cotidianos de generación de belleza, narrados desde la materia prima y obedeciendo a lo que ésta dicta desde su propia estética. Independientemente de que el resultado de aplicar dichos materiales o recursos en determinada persona sea socialmente consensuado como bello o no bello, la artista revela que el mismo proceso, el ritual en sí, contiene belleza por el mero hecho de buscar evocarla.

Eugenio Echeverría

El pasaje de Goathma

Curiot

Intervención de espacio

La reciente y abundante proliferación de propuestas pictóricas que evocan estéticas de culturas “pre-occidentalizadas” a partir de la indumentaria y la simbología de dichas culturas no hace sino manifestar cierta inquietud colectiva. Se podría llegar a pensar que el tono evasivo y nostálgico que tienen las propuestas que miran hacia el pasado – e invariablemente lo redefinen- buscan en última instancia rescatar parte de aquello que fue dejado atrás.

Tal parece el objetivo de Curiot que presenta una sucesión de escenas, personajes y acciones con la intención de que cada espectador conjugue dichas imágenes simbólicas del modo que crea más adecuado e interesante, buscando quizás aquellos aspectos del pasado que sería interesante rescatar e integrar a nuestro estilo de vida.

Eugenio Echeverría

El Rey Sol

Tulio

Intervención de espacio

La reciente y abundante proliferación de propuestas pictóricas que evocan estéticas de culturas “pre-occidentalizadas” a partir de la indumentaria y la simbología de dichas culturas no hace sino manifestar cierta inquietud colectiva. Se podría llegar a pensar que el tono evasivo y nostálgico que tienen las propuestas que miran hacia el pasado – e invariablemente lo redefinen- buscan en última instancia rescatar parte de aquello que fue dejado atrás.

Tulio inicio en la gráfica digital en el 2006 desarrollando propuestas que traducen, desde lo estético, los códices y símbolos prehispánicos enfocándonse principalmente en la cultura Maya. En palabras del artista “los códices describen y narran un universo simbólico que es altamente atractivo y relevante. Me parece importante retomarlos e insertarlos en la gráfica actual con el objetivo de que el espectador voltee hacia su pasado histórico, lo reviva y lo asuma como propio”

Eugenio Echeverría

http://publicidadanonima.blogspot.mx/

http://lorenamalo.blogspot.mx/

Desde el 2006 hemos recibido a estudiantes y artistas que requieren de talleres concretos y especializados para complementar su formación en artes visuales, arte multimedia, diseño, y moda.

Nuestro programa de formación tiene por fin último otorgar a los alumnos herramientas concretas aplicables a la práctica profesional y al ejercicio artístico. Los maestros que imparten talleres en el Centro Cultural Border son artistas mexicanos emergentes y reconocidos nacional y/o internacionalmente que inciden en la escena del arte contemporáneo en México.

El Aula Virtual del Centro Cultural Border es un programa de desarrollo formativo derivado de nuestros talleres presenciales y conformado por nuestros mismos maestros. A partir del Aula Virtual del Centro Cultural Border ofrecemos a estudiantes y jóvenes artistas de  diferentes regiones de la República Mexicana y Latinoamérica la oportunidad de complementar su formación e integrar nuevas herramientas a su práctica profesional y artística.

Nuestra Aula Virtual esta diseñada para que el alumno conozca de primera mano, mediante la comunicación directa con el maestro y con el grupo, como abordar el ejercicio creativo y/o intelectual, como estructurar y desarrollar su propuesta de manera satisfactoria y materializar sus propias inquietudes y necesidades.

¿Por que de manera virtual?

La formación on-line se ha mostrado reveladora al potencializar nuestra capacidad de implicación, aprendizaje y cooperación para con el grupo. La naturaleza del mismo medio permite al alumno desarrollarse en términos distintos a aquellos con los cuales se expresaría en un taller presencial. De este modo se desarrollan discusiones con alto nivel de compromiso y exposición, se defienden ideas y recurren a diferentes herramientas para constatarlas, se asume e integra la información de manera personalizada, y el alumno goza de mayor exclusividad en su trato con el maestro.

Finalmente el alumno es capaz de interiorizar un programa de estudios que ha sido adaptado a las propias necesidades y ha colmado una o varias necesidades personales y profesionales, además de generar vínculos de carácter virtual con personas de intereses afines de diferentes partes del mundo.

ENTRE LINEAS Lorena Mal | 2012

Exposición individual

Leer entre líneas supone siempre un ejercicio de develar algo oculto, un subtexto, privilegiar lo sutil antes que lo aparente y sustraer de lo visible aquello que no es evidente, pero ante todo implica un acto de interpretación por parte del escucha/lector de una información determinada.

En este sentido Entre líneas es, en primera instancia, un cúmulo de datos recopilados durante meses de investigación a partir de 50 entrevistas y el acto de elaborar y reelaborar los datos recabados.

El formato de las entrevistas es, por demás, sugerente, resaltando su valor testimonial con carácter anónimo, permitiendo al entrevistador/entrevistado generar un ambiente de mutua confianza e intimidad, similar al diván. El estudio, análisis y disección de la gestualidad, de igual forma se antoja como una especie de polígrafo que sin buscar la veracidad del testimonio, revela un vínculo emocional con lo narrado. Como tal la acción remite a una especie de escritura automática o libre asociación de ideas traducido al gesto. Leer entre líneas implica justo buscar esas cotas inconscientes y develar lo subyacente.

Los datos recabados son reelaborados, retrabajados y asimilados por la artista mediante el acto mismo de trazar-visibilizar la información contenida en la gestualidad que produce el sujeto entrevistado, como una especie de histograma del gesto individual. Son retratos experienciales a partir del lenguaje corporal del sujeto, centrado en el movimiento inconsciente de las manos al describir, narrar experiencias, lugares, objetos, situaciones, vinculando procesos cognitivos con artísticos con la intención de dejar al descubierto un recorrido mental que se traduce en gesto, línea y trazo: un hilo narrativo. Más allá de la función estadística de comparar, contrastar y buscar tendencias en esta sumatoria de datos – entre líneas parte de un muestreo-, el proceso logra tangibilizar el momento de la operación mental y ratificar el trazo del pensamiento puro.

Barbara Perea

CENTRO CULTURAL BORDER

Zacatecas 43. Colonia Roma. Delegación Cuauhtémoc.

DF. México

Nuestra Aula Virtual esta diseñada para que el alumno conozca de primera mano, mediante la comunicación directa con el maestro y con el grupo, como abordar el ejercicio creativo y/o intelectual, como estructurar y desarrollar su propuesta de manera satisfactoria para finalmente materializar sus propias inquietudes y necesidades.

¿PORQUÉ VIRTUAL?

La formación on-line se ha mostrado reveladora al potencializar nuestra capacidad de implicación, aprendizaje y cooperación para con el grupo. La naturaleza del mismo medio permite al alumno desarrollarse en términos distintos a aquellos con los cuales se expresaría en un taller presencial. De este modo se desarrollan discusiones con un alto nivel de compromiso y exposición, se defienden ideas y recurren a diferentes herramientas para constatarlas, se asume e integra la información de manera personalizada, y el alumno goza de mayor exclusividad en su trato con el maestro.

Finalmente el alumno es capaz de interiorizar un programa de estudios que ha sido adaptado a las propias necesidades y ha colmado una o varias necesidades personales y profesionales, además de generar vínculos de carácter virtual con personas de intereses afines de diferentes partes del mundo.

CURSOS DISPONIBLES EN http://border.com.mx/?cat=88

Proyecto Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Pieza que fue parte de la Exposición Yo Primate, Proyecto Curatorial de Catalina Restrepo

What is Painting?, 2011, Acrílico sobre lienzo, (díptico), 113 X 97.5 cm

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Piezas que fueron parte de la Exposición Yo Primate, Proyecto Curatorial de Catalina Restrepo

Despegando, 2010, Impresión Digital, 130 X 200 cm

Cheesewiz, 2010, Impresión Digital, 95 X 120 cm.

Flor de Loto, 2010, Impresión Digital, 80 X 60 cm

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Pieza que fue parte de la Exposición Yo Primate, Proyecto Curatorial de Catalina Restrepo

Historia Natural, 2011, mesa con objetos, técnica mixta, medidas variables

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Piezas que fueron parte de la Exposición Yo Primate, Proyecto Curatorial de Catalina Restrepo

Casa Darwin, 2009, Impresión digital, 50 X 35 cm.

Casa Darwin, 2009, Impresión digital, 50 X 35 cm.

Casa Darwin, 2009, Impresión digital, 35 X 50 cm.

Casa Darwin, 2009, Impresión digital, 35 X 50 cm.

Casa Darwin, 2009, Impresión digital, 50 X 35 cm.

Casa Darwin, 2009, Impresión digital, 50 X 35 cm.

Casa Darwin, 2009, Impresión digital, 50 X 35 cm.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Piezas que fueron parte de la Exposición Yo Primate, Proyecto Curatorial de Catalina Restrepo

Homínidos, 2009, Transgrafía, grafito sobre albanene sobre papel, 23 X 34 cm.

Homínidos, 2009, Transgrafía, grafito sobre albanene sobre papel, 23 X 34 cm.

Homínidos, 2009, Transgrafía, grafito sobre albanene sobre papel, 23 X 34 cm.

Homínidos, 2009, Transgrafía, grafito sobre albanene sobre papel, 23 X 34 cm.

Homínidos, 2009, Transgrafía, grafito sobre albanene sobre papel, 23 X 34 cm.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Piezas que fueron parte de la Exposición Yo Primate, Proyecto Curatorial de Catalina Restrepo

Changuilocuente, 2007, mixta sobre papel, 132 X 123 cm.

El transcurso de la vida, 2006, tinta sobre papel, 120 X 80 cm.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Piezas que fueron parte de la exposición Yo Primate, Proyecto Curatorial de Catalina Restrepo

Chango, 2010, Acrílico y Grafito sobre  papel, 76 X 56 cm

Luz en la Caverna, 2012, Acrílico y Acuarela sobre papel, 23 X 30.5 cm

Ojos de Chango, 2012, Tinta y Acuarela sobre papel, 30.5 X 23 cm

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Piezas que fueron parte del Proyecto Curatorial  Yo Primate de Catalina Restrepo

Sin título, 2012, Graffito sobre papel, 40 X 50 cm

Sin título, 2012, Graffito sobre papel, 40 X 50 cm

Sin título, 2012, Graffito sobre papel, 40 X 50 cm

Sin título, 2012, Graffito sobre papel, 40 X 50 cm

Sin título, 2012, Graffito sobre papel, 40 X 50 cm

Sin título, 2012, Graffito sobre papel, 40 X 50 cm

Sin título, 2012, Graffito sobre papel, 40 X 50 cm

Desde el 2009 Trash se ha enfocado en el retrato de personajes que buscan reflejar los conflictos existenciales propios del ser humano, a partir del dibujo y la pintura en pequeño y gran formato.

Durante la realización de este proyecto el artista ha producido una serie de dibujos en mayor formato que el acostumbrado, y un mural con graffito desarrollado a partir del juego entre luces y sombras. Acostumbrado a realizar composiciones simples con personajes centrados y confrontados directamente con el espectador, Trash se ha propuesto explorar nuevos formatos compositivos complejizando su propuesta e incluyendo elementos que podrían advertir cierto enriquecimiento narrativo.

Con este objetivo el artista ha buscado potencializar los múltiples universos emocionales que han caracterizado su obra abriendo los cuerpos de sus protagonistas. Los personajes, que previamente aparecían sin ánimo, desesperanzados, estoicos ante el vacío, ahora se muestran desmembrados, en un intento, quizás, de deshacer y redefinir la propia identidad. Estos personajes, proyección de las experiencias y vivencias de Trash, son el eje narrativo del incipiente cuerpo de obra del jóven artista.

Tras tres años ejercitando y desarrollando su propuesta, y tras 5 semanas trabajando en la galería del Centro Cultural Border, Trash presenta su primera exposición individual.

Eugenio Echeverría

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Temix Titan parte de la reproducción del Mapa de Conquista de Cortés 1520-1521 según las Cartas de Relación de Hernán Cortés, para invitar al espectador a la resignificación colectiva de la obra.

Realizada con grana cochinilla, la pieza requiere de la interacción del espectador para ser activada. El mapa, sin esta interacción, permanecería como reproducción de un documento histórico y no alcanzaría el carácter de propuesta artística, planteado por Omar SM. La manipulación física por parte del espectador, desdibujando el trazo, redibujando con grana cochinilla nuevas líneas y formas, nuevos significados metafóricos, es lo que puede provocar un cuestionamiento de la idea de “verdad” implícita en cualquier reproducción de un documento histórico, y como tal, un cuestionamiento a nuestra propia construcción histórica.

Dicha activación puede entenderse, incluso, como un gesto, como la  capacidad potencial que el ciudadano y la sociedad civil tienen para generar y escribir su propia historia colectiva.

Omar SM nos impone el mapa de Conquista de Cortés como símbolo de “Historia aprendida como única verdad” y como un posible punto de partida de una serie de despropósitos interpretativos en torno a la historia de nuestro país y, por extensión, a la Historia Universal.

Eugenio Echeverría.

Para ver el proceso de la Intervención haz Clic en TEMIX-TITÁN

Cambalache es una comunidad virtual en internet que potencia el libre intercambio de obras y experiencias artísticas.

Se toma como base el principio de libre acceso a las piezas y proyectos artísticos el cual parte de la filosofía del software libre, bajo la cual el conocimiento es un derecho universal para el hombre.

Este proyecto por tanto se forma de personas que comparten las cosas que saben hacer mediante “cambalaches” artísticos en favor del crecimiento de una cultura de arte libre utilizando un espacio público virtual donde los participantes publican sus obras en formato digital utilizando archivos de texto, vídeo, fotografía, audio, etc. bajo licencias libres (creative commons, gnu, arte libre, etc.) para su posterior uso, copia, modificación, mejora y redistribución por parte de cualquier otro miembro de la comunidad.

La comunidad virtual de arte libre propuesta por Cambalache busca introducir a la comunidad artística en la filosofía de la cultura libre como una opción real de creación y promoción artística.

También es una opción necesaria ante fórmulas cerradas de colocación de obras en el mercado del arte, donde unas cuantas instituciones y/o personas se mantienen vigentes como principales canales para la validación del arte, volviéndolo muchas veces una simple mercancía y un símbolo de poder.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

 El trabajo de Kang S. Lee se enfoca dos grandes temas en los que el ser humano ha reflexionado por siglos: la vida y la muerte. La forma en que coexisten en su obra es una exploración continua de diálogo profundo donde la línea que divide ambas situaciones es apenas visible. El elemento clave en su práctica es la fragilidad de tratamientos así como de materiales.

En esta intervención dirige la mirada hacia las formas en que el deseo se presenta, como flores de papel que simbolizan el anhelo de la presencia de lo ficticio en combinación con la proyección virtual de un modelo inalcanzable.

www.kanglee.net

http://vimeo.com/44822139

http://vimeo.com/22038191

Para ver el video del Proceso de la Intervención da Clic en: MY NYGHTS ARE MORE BEAUTIFUL THAT YOUR DAYS DE KANG S. LEE

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Consulta la convocatoria y descarga el formato de inscripción en la sección ¿QUIERES EXPONER EN BORDER?

Ciudad de México, 1986. Comenzó a experimentar de manera independiente y autodidacta con el dibujo hace más de 10 años. En el 2003 se cruza con el graffiti lo que le lleva a enfocar su trabajo en la calle utilizando materiales como la pintura esmalte en aerosol y/o marcadores.

Con influencias de la caricatura, la animación japonesa y norteamericana, la arquitectura moderna, el diseño gráfico y el arte óptico, N3O evoluciona y experimenta estéticamente desencadenando un proceso que hoy da señales de madurez y coherencia. Su trabajo se desarrolla a partir de elementos compositivos que relacionados de manera geométrica fluyen hacia lo abstracto y lo orgánico, piezas que, realizadas in situ, cobran gran potencia estética.

Por cuestiones relacionadas con la composición y la yuxtaposición inherente a la obra gráfica de N3O podemos entender esta pieza como un mándala que es definido por el artista como fuente de energía e información cósmica. Su trabajo asimismo recuerda a las alucinaciones derivadas de sustancias alucinógenas utilizadas tradicional e históricamente por las culturas prehispánicas para acceder a la divinidad y a la sanación.

Realizó su Licenciatura en Artes Plásticas en la universidad de MICA (Maryland Institute College of Art) en 2005. Trabaja en varios técnicas incluyendo la escultura, el diseño, y pintura mural, siempre usando materiales reciclados. Su involucramiento en el arte comunitario ha sido un crecimiento natural de un proceso creativo que tiene que ver con la transformación. Ha guiado niños y jóvenes en construir elementos artísticos para realzar espacios públicos y sitios dentro de barrios, incluso pintando murales y cultivando huertos en terrenos abandonados.

“No existe un recetario estricto sobre como presentar una ofrenda para nuestros muertos, podrán existir elementos en común que nos vinculan colectivamente mediante la tradición, pero creo que una ofrenda debe de ser algo tan personal, que cada quien habrá de tener la libertad de plantear mediante su imaginación su propia forma de estructurarla.” Neuzz

“Ellos vendrán esta noche” es un proyecto íntimo, personal y necesario para el desarrollo humano de quien lo firma. Cuando un artista trabaja en dichos términos el resultado es un arte que nace desde lo profundo, desde la coherencia entre la propia experiencia y la emoción, y que en este caso nos descubre una exposición que en su última lectura devela un sentido profundo sobre la vida misma.

En un primer acercamiento las obras presentadas conforman una ofrenda/exposición a las sombras que acompañan el artista: su abuelo Goyo, sus amigos muertos prematuramente, los niños imaginados en su infancia, que fueron asesinados por los nauhales en la frontera entre Leyenda e Historia. A todos ellos  Neuzz los recuerda y los honra, es su historia, su pasado, y así los recibe. Sin embargo, en este regreso simbólico, en el “Ellos vendrán esta noche” se intuye una amenaza, la de lo oculto, la de lo no dicho, no visto, no oído, pero sentido e intuido. Los que vendrán esta noche no son espectros o brujas sino la memoria, el miedo,  la  intimidad que se proyectan en aquellos muertos que siendo queridos y formando parte de nuestra historia regresan permanentemente a nosotros. Es más, nunca se fueron.

“… abrazar emocionalmente no sólo a mis ancestros, si no también mi propia historia personal, a los amigos cuyas vidas tocaron también la mía, personas que fueron importantes para mi, con quienes compartí y genere vínculos de identidad a través de actividades cotidianas, las mismas que habrían de determinar el comienzo de mi trayectoria como grafista: desde el skateboarding, pasando por el graffiti.” Neuzz

Es difícil hablar de esta primera exposición individual de Neuzz como un proyecto o un compendio de obra. “Ellos vendrán esta noche” es en sí mismo un ritual inspirado en la tradición mexicana y reinterpretado según las propias necesidades del artista. En esta noche del 2 de noviembre Neuzz culmina un proceso, quizás de duelo, en el que ha recordado, honrado y agradecido a aquellos que le han hecho Ser. En el mismo acto de develar y compartir Neuzz se despide, es quizás el final de la historia, la última lectura, abrimos la puerta de la galería y su propia leyenda  se empapa de lo real para pasar a formar parte, ahora sí, del pasado.

ELLOS VENDRÁN ESTA NOCHE.

NEUZZ

Exposición individual

Ellos vendrán esta noche.

“No existe una formula estricta sobre como presentar una ofrenda para nuestros muertos, podrán existir elementos en común que nos vinculan colectivamente mediante la tradición, pero creo que una ofrenda debe de ser algo tan personal, que cada quien habrá de tener la libertad de plantear mediante su imaginación su propia forma de estructurarla.” Neuzz

“Ellos vendrán esta noche” es un proyecto íntimo, personal y necesario para el desarrollo humano de quien lo firma. Cuando un artista trabaja en dichos términos el resultado es un arte que nace desde lo profundo, desde la coherencia entre la propia experiencia y la emoción, y que en este caso nos descubre una exposición que en su última lectura devela un sentido profundo sobre la vida misma.

En un primer acercamiento las obras presentadas conforman una ofrenda/exposición a las sombras que acompañan el artista: su abuelo Goyo, sus amigos de la adolescencia fallecidos intempestivamente, los niños que décadas atrás se dijo fueron asesinados por los nahuales, en la frontera entre Leyenda e Historia. A todos ellos  Neuzz los recuerda y los honra, es su historia, su pasado, y así los recibe. Sin embargo, en este regreso simbólico, en la frase “Ellos vendrán esta noche” se intuye también una amenaza, la de lo oculto, la de lo no dicho, no visto, no oído, pero sentido e intuido. Los que vendrán esta noche son la memoria, el miedo, la intimidad que se proyectan en aquellos muertos que siendo queridos y formando parte de nuestra historia regresan permanentemente a nosotros.

“… abrazar emocionalmente no sólo a mis ancestros, si no también mi propia historia personal, a los amigos cuyas vidas tocaron también la mía, personas que fueron importantes para mi, con quienes compartí y genere vínculos de identidad a través de actividades cotidianas que para nosotros eran cotidianas en ese entonces: el skateboarding, el graffiti, esa clase de cosas que nunca nos tomamos tan en serio, pero que hoy recuerdo como determinantes en el comienzo de mi trayectoria como grafista.” Neuzz
Es difícil hablar de esta primera exposición individual de Neuzz como un proyecto o un compendio de obra. “Ellos vendrán esta noche” es en sí mismo un ritual inspirado en la tradición mexicana y reinterpretado según las propias necesidades del artista. En esta noche del 2 de noviembre Neuzz culmina un proceso, quizás de duelo, en el que ha recordado, honrado y agradecido a aquellos que le han hecho Ser. En el mismo acto de develar y compartir Neuzz se despide, es quizás el final de la historia, la última lectura, abrimos la puerta de la galería y su propia leyenda  se empapa de lo real para pasar a formar parte, ahora sí, del pasado.

Eugenio Echeverría

NEUZZ

Es uno de los artistas más controvertidos y enfocados con los que cuenta México. Su trabajo, honesto y asertivo, abraza la mexicaneidad desde los mitos y leyendas que por siglos han conformado la idiosincrasia del país. A partir de una estética autoral, Neuzz contemporaneiza lo mexicano ofreciendo una revisión de corte low brow que enriquece la escena del arte contemporáneo emergente

Ha expuesto su obra en espacios diversos tales como el Faro de Oriente, la galería José María Velasco ( INBA Conaculta ), el Museo de la Ciudad de Queretaro, el Museo de la Ciudad de México, la Facultad de Arquitectura de la Universidad Iberoamericana, la galería Luis Nishizawa de la Escuela Nacional de Artes Plásticas ( UNAM ), Vértigo Galería, Strychnin Gallery ( Berlin Alemania ) y Pictures on Walls Gallery ( Londres Inglaterra ). En septiembre 2010 presentó su trabajo en Montana Gallery ( Barcelona España ), dentro del marco de la exposición “México D.F. Dhear, Saner y Neuzz. Nuevas estéticas del Postgraffiti” donde desarrolló por primera vez pintura expandida, el tipo de obra que presenta en “Ellos vendrán esta noche” y con la que da el salto, ya declarado y firme, a las artes visuales.

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SIN TÍTULO

N3O

Intervención de espacio

N3O

Ciudad de México, 1986. Comenzó a experimentar de manera independiente y autodidacta con el dibujo hace más de 10 años. En el 2003 se cruza con el graffiti lo que le lleva a enfocar su trabajo en la calle utilizando materiales como la pintura esmalte en aerosol y/o marcadores.

Con influencias de la caricatura, la animación japonesa y norteamericana, la arquitectura moderna, el diseño gráfico y el arte óptico, N3O evoluciona y experimenta estéticamente desencadenando un proceso que hoy da señales de madurez y coherencia. Su trabajo se desarrolla a partir de elementos compositivos que relacionados de manera geométrica fluyen hacia lo abstracto y lo orgánico, piezas que, realizadas in situ, cobran gran potencia estética.

Por cuestiones relacionadas con la composición y la yuxtaposición inherente a la obra gráfica de N3O podemos entender esta pieza como un mándala que es definido por el artista como fuente de energía e información cósmica. Su trabajo asimismo recuerda a las alucinaciones derivadas de sustancias alucinógenas utilizadas tradicional e históricamente por las culturas prehispánicas para acceder a la divinidad y a la sanación.

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CHA-CHA-CHACHARA

EMILY CD

Intervención de espacio

“Mis asemblajes de basura son a la vez murales y esculturas. Los objetos viejos que encuentro tirados en los callejones y en los tianguis los organizo en dibujos ritmicos, animandolos con colores llamativos. Las formas salen de los muros, invitando a la gente acercar y mirar estos desperdicios con ojos nuevos. Podemos imaginar un mundo mejor si vemos las posibilidades en lo que nos rodea.” Emily C-D

Emily C-D

Artista, violinista, y tallerista de Baltimore, MD, EEUU quién hace un año abandonó sus tierras para volverse chilanga. Realizó su Licenciatura en Artes Plásticas en la universidad de MICA (Maryland Institute College of Art) en 2005. Trabaja en varios técnicas incluyendo la escultura, el diseño, y pintura mural, siempre usando materiales reciclados. Su involucramiento en el arte comunitario ha sido un crecimiento natural de un proceso creativo que tiene que ver con la transformación. Ha guiado niños y jóvenes en construir elementos artísticos para realzar espacios públicos y sitios dentro de barrios, incluso pintando murales y cultivando huertos en terrenos abandonados.

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LA EMBAJADA DE COLOBLO / CÁMARA DE DESCOMPRESIÓN URBANA

AUREL DE COLOBLO MENDOZA

Instalación itinerante

La Embajada de Coloblo : interacción, participación y retro-alimentación

Desde 2001, la Embajada de Colobo investiga y experimenta procesos de exposición y de intervención que permiten implementar una relación constructiva – abierta, poética y crítica – con y entre el público.

Se trata de un proyecto de instalaciones, enfocado en reunir condiciones y construir mecanismos materiales e inmateriales – espacios-tiempo – que permitan al público y a los artistas participantes integrar y relacionar de manera sencilla y concreta una multitud de experiencias.

Libre de escoger su postura, el tiene la oportunidad –si y cuando lo decide- de sentir, actuar y sobre todo incorporar sus experiencias y creaciones en el dispositivo para hacerlo vivir, crecer y evolucionar en tiempo real. La relación circular obra/público/artista se desarrolla dentro del marco de un proceso abierto de reinterpretación, de actuac(c)ión y de enriquecimiento mutuo.

El concepto : “En lo íntimo y profundo de los cuerpos : un secreto…”

La Cámara de Descompresión Urbana es una instalación itinerante, montada en la caja de un trailer, que será presentada en varios lugares públicos y artisticos del DF del 2 al 26 de noviembre 2011.

La meta de la instalación es proponer al público aislarse del espacio común –retirarse del mundo- para entrar en una cabina insonorizada, que permite sentarse en la oscuridad y encontrarse en la soledad de su ruido interior. Es un momento dedicado a vivir una experiencia sensorial y auditiva personal, secreta e íntima, lejos de los flujos increíblemente acelerados de intercambio de información a los que se somete uno viviendo en una ciudad inmensa en el siglo XXI.

Gracias a la colocación de un estetoscopio electrónico en su corazón, poco a poco el experimentador sentado solo en la oscuridad empieza a escuchar sus ritmos cardiacos amplificados dentro de la cabina. Sumergido en un espacio-tiempo propio, percibe el eco  y  siente la resonancia de su ritmo interno…

Mientras afuera, a un costado del trailer, una pantalla permite al público leer la imagen de la experiencia que se está desarrollando dentro de la caja.

A lo largo del recorrido de la instalación por la ciudad, los latidos del corazón de los visitantes serán grabados para luego ser reinterpretados y crear una pieza audio-visual que será presentará posteriormente como testimonio del pulso inherente de la ciudad.

Aurel de Coloblo Mendoza

París, 1976.

Artista visual (pintura, dibujo, gráfica e instalaciones) y curador.

Estudió Historia y Cooperación Artística Internacional en Francia. Aurel de Coloblo define su proceso de creación como la “destilación gráfica” de eventos, deambulaciones y encuentros. Con sus procesos de (re)producción circular y lineal, que se repiten al infinito, Aurel invita a un espacio mental y físico, a un lugar en la frontera de la creación, donde se pasa de un mundo a otro, olvidando el tiempo formal y cotidiano para crear un espacio temporal paralelo y único.

PLÁTICA EN CASA VECINA

Miércoles 9 de noviembre 2011. 18 Horas.

Embajada de Coloblo / Cámara de Descompresión Urbana : Conversación sobre los dispositivos participativos de exposición e intervención.

Entre los espacios invitados que expondrán sus perspectivas y programas están Capacete Entretenimientos (Río de Janeiro, Brasil), Not An Alternative (Nueva York, EUA), Proyectos Ultravioleta (Cd. de Guatemala, Guatemala), Fac. Fundación De Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay), Lugar a dudas. Arte y vacilaciones (Cali, Colombia), CRAC (Valparaíso, Chile),  Beta-Local (San Juan, Puerto Rico), CIA. Centro de Investigaciones Artísticas (Bs. As., Argentina), Off Limits (Madrid, España), Slanguage (Los Ángeles, EUA), La Curtiduría (Oaxaca, Oaxaca) y La Periferia (Mérida, Yucatán). A través de sus modelos de actividad y de su inserción pública, estos espacios generan otro tipo de estrategias y/o dinámicas de interrelación; al propiciar acercamientos entre productores y participantes, mediante procesos creativos, críticos y/o de conocimiento inéditos.

Durante estos dos días de discusión, los paneles serán moderados en conversación con directores y/o promotores de espacios similares en la ciudad de México, como Centro Cultural Border, SOMA y Casa Vecina. Estos proyectos, con su labor, son hoy punto de referencia de la producción artística nacional contemporánea y se mantienen como territorios abiertos líderes en intercambio de saberes.

Estas estrategias no institucionalizadas nos permiten repensar las plataformas vigentes de exhibición, comunicación e intercambio desde el arte; y generar modelos más dúctiles, vitales y efectivos de participación en la red social

Encuentro de Espacios Culturales de Acción NO Institucionalizada*

juev 29-vier 30 sep 2011 | 10:00-15:00 horas y 17:00-18:30 horas

Juev 29 sep

9:30 | Registro
10:00-10:15 | Inauguración

Panel 1

10: 30-12:00 | Tema: Procesos y visiones de emergencia cultural | Tania Ragasol | Directora | Casa Vecina, Ciudad de México + CAPACETE ENTRETENIMIENTOS | Río de Janeiro, Brasil + NOT AN ALTERNATIVE | Nueva York, EUA 12:00-12:30 | Debate 12:30-13:00 | Receso

Panel 2
13:00-14:30 | Tema: Agentes culturales y estrategias de activación | Jorge Munguía | Fundador | Pase Ud., Ciudad de México + PROYECTOS ULTRAVIOLETA | Cd. de Guatemala, Guat. + FAC. FUNDACIÓN DE ARTE CONTEMPORÁNEO | Montevideo, Uruguay 14:30-15:00 I Debate 15:00-17:00 I Receso

Panel 3
17:00-18:00 | Tema: Perfiles programáticos y públicos específicos | Eugenio Echeverría | Director | Centro Cultural Border, Ciudad de México + LUGAR A DUDAS. ARTE Y VACILACIONES | Cali, Colombia + LA PERIFERIA | Mérida, Yucatán | México 18:00-18:30 | Debate

Vier 30 sep
10:00-10:30 | Registro

Panel 4
10: 30-12:00 | Tema: Trabajo en redes y construcción de comunidades | Eduardo Abaroa | Director |SOMA, Ciudad de México + CRAC | Valparaíso, Chile + Beta-Local | San Juan, Puerto Rico 12:00-12:30 |Debate 12:30-13:00 | Receso

Panel 5
13:00-14:30 | Tema: Entrecruzamientos interdisciplinarios: Sociedades de conocimiento | Luis Felipe Ortega | Artista visual & docente mexicano + SLANGUAGE | L.A., EUA + LA CURTIDURÍA | Oaxaca, Oax. 14:30-15:00 | Debate 15:00-17:00 | Receso

Panel 6
17:00-18:00 I Tema: Mecanismos de financiamiento, alianzas y posicionamiento público | Violeta Celis | Curadora | MAM + OFF LIMITS | Madrid, España + CIA. CENTRO DE INVESTIGACIONES ARTÍSTICAS | Bs. As., Argentina 18:00-18:30 | Debate y clausura

*Programación sujeta a cambios sin previo aviso.

Cuota de recuperación | 1 día $100 MN | 2 días $150 MN

Formas de pago | Efectivo | Amigos del Museo de Arte Moderno I Mar-Vier I 10-2 pm

Depósito Bancario* | A nombre de: AMIGOS DEL MUSEO DE ARTE MODERNO, A.C.
No. DE CUENTA (IXE CHEQUES)  1562542-7 CLABE TRANSFERENCIAS 032180000156254274

*Escribir nombre completo y tel. en la ficha de depósito y enviar vía fax al 5286-4753 para confirmar inscripción.

HE DECIDIDO BIFURCARME
Rita Ponce de León
vigiliaycabeceo.blogspot.com

Rita Ponce de León trabaja buscando, como todos, como la mayoría, y lo que hace especial su búsqueda es la avidez por encontrar respuestas que durante el proceso y en el mismo resultado sean enriquecedoras no sólo a nivel intelectual y emocional, sino en el plano espiritual y ético.

En un contexto donde las exposiciones y los proyectos de arte se confunden cada vez más con cuidadas estrategias de marketing, Rita nos recuerda lo que algunos otros ya han olvidado: la necesidad real de conocer y expresar es el desencadenante acertado de cualquier proyecto artístico. Rita aborda dicho proceso desde la autoría, con todo lo que el término implica, porque la autoría se crece y se trabaja pero sólo si naciste con la capacidad.

Con esa necesidad de expresar desde lo profundo, más intuida que consciente, Rita inicia el proceso de producción de “He decidido bifurcarme” a partir de entrevistas, que fueron grabadas en audio, sobre la experiencia personal de cada entrevistado en relación a su propia educación, siendo cada uno de ellos quienes enfocaron la conversación según su propia experiencia y convicción. Desde el idealismo de aquel que quiere cambiar el mundo y cree que puede, aunque sea un poquito, la artista conversa con personas que conoce y tiene cerca, alimentando su acervo de momentos, intimidades, verdades tajantes y mentiras no dichas que recibe expectante. En dicho camino nos recuerda una máxima que en estos tiempos de ensalzamiento del ego algunos han olvidado: el artista se nutre también de la experiencia ajena enriqueciendo así la propia y ofreciendo su particular acercamiento a las viejas historias.

Con naturalidad Rita trabaja y nos ofrece sin juicios pero con posicionamiento ideológico múltiples visiones digeridas, reinterpretadas, y así esbozadas. “He decidido bifurcarme” no trata necesariamente sobre la educación en sentido literal pero quizás sobre todo aquello que hemos tenido que entender y creernos para poder formar parte de una sociedad determinada, sin los adjetivos ni etiquetas que ya todos conocemos.

Con este ejercicio Rita sigue fiel al método de trabajo que experimentó por primera vez al hacer cómics en el 2008 y que siguió reafirmando en sus consecuentes exposiciones: contar con el testimonio de alguien más como punto de partida del proceso de introspección que finalmente nos será devuelto desde su subjetividad. La artista no busca en el conocimiento consagrado de aquellos avalados por la historia, al contrario, Rita busca en el conocimiento popular y experiencial, el tuyo y el mío, que es el punto de partida de esta historia que ha sido narrada con una ligereza buscada pero no por ello forzada, que ha sido construida con paciencia, esperando el estímulo adecuado para traducir la cita ajena en imagen propia.

“He decidido bifurcarme” es su cuarta exposición individual y como en las anteriores se perciben sus ganas de explorar del modo más coherente y armónico posible su propio camino para crecer y evolucionar en su propia identidad estético discursiva y humana. Sus dibujos, aunque no lo parezca, son sólo una herramienta.

Eugenio Echeverría

EL DÍA DE LA INAUGURACIÓN TENDREMOS A LA VENTA POR $ 100 PESOS EL LIBRO

Necesito Dormir Cómics: Nudo en el Aire / Nudo en Agua

RIPOLE

MÉXICO, 2011

“Este proyecto trata de depositar en una serie de dibujos la relación que tengo con personas de mi entorno cercano, a las cuales les propuse contarme un sueño. Todos guardamos en la memoria algunos sueños que nos parecen importantes o extraños.

Dibujo sueños de otros porque es como intento compartir ese mundo subterráneo con alguien. Hay algo en pasar páginas con imágenes que estoy empezando a descubrir; tal vez tiene que ver con cuando uno es niño y no sabe leer, entonces mira los libros. Para mí relatar un sueño se parece a eso, a un mundo imposible de contar sin imágenes.”

“Desde la década de los años 60´s en EEUU con el resurgimiento de los espacios artísticos y culturales dirigidos por artistas que encuentran sus antecedentes en la escena de las vanguardias de principios de siglo XX, se han venido presentando y desarrollando un sinfín de propuestas vinculadas al arte y a la gestión cultural variantes en estructura y administración. Dichas propuestas estructurales responden finalmente a una postura ideológica frente a la cultura, el arte y la vida misma.

En el caso del CCB y teniendo en cuenta precisamente esta postura ideológica nos propusimos crear un espacio abierto e incluyente destinado al arte entendido desde la emergencia y lo contemporáneo…”

El próximo Jueves 28 de Julio Border inaugura “LO MEJOR DE NO ENTENDER”, exposición colectiva, y las intervenciones de espacio de Patricio José Y Tahres.

CORREDOR DE ARTE : La inauguración sucede en paralelo el jueves 28 de julio con las presentaciones de los diferentes proyectos de arte contemporáneo de las galerías Nina Menocal, Traege & Pinto, y La Miscelánea. Los 4 espacios estaremos presentando diferentes proyectos de manera conjunta.

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JUEVES 28 DE JULIO, DE 21 A 00 HORAS
CENTRO CULTURAL BORDER
ZACATECAS 43. COLONIA ROMA.

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LO MEJOR DE NO ENTENDER
Exposición colectiva de gráfica, videoarte e instalación.

Artemio / Amanda García Martín / Daniel Monroy / Florencia Guillen/ Fernando Palomar/ Verónica Cardoso.

Curaduría de Icari Gómez

“Pienso donde no soy por el pensamiento,
por tanto soy donde no pienso”

LO MEJOR DE NO ENTENDER, es lanzar una moneda al aire para arrojarse al juego del azar del sentido. La lingüística clásica utiliza la imagen de la moneda para explicar la teoría del signo lingüístico: una cara es el significante -la imagen acústica o lo inconsciente- y la otra, el significado -el concepto, lo consciente-. Tirar una moneda al aire es también el ejercicio probabilístico más simple de todos: solo dos resultados posibles con igualdad de probabilidades.

Pero, qué pasa cuando, como a Rosencrantz y Guildenstern de Tom Stoppard (Rosencrantz y Guildenstern han muerto, 1966), la moneda que tiramos cae 100 veces seguidas del mismo lado. Improbable pero no imposible. Cara, cara, cara…o significante, significante, significante.

LO MEJOR DE NO ENTENDER es la moneda que cae una y otra vez en la cara del significante y desde ahí plantea la experiencia del sentido, se detiene en el supuesto camino hacia el significado y da lugar a la des-escritura.

Des-escribir el signo es resistir frente al significado, recuperar la potencia sensorial del significante. Aquí, el significado primero y único está ausente y su lugar es ocupado por otro significante. Justo en esta cadena significante, más allá o más acá del significado, cohabitan lo absurdo, lo inconsciente, lo impermanente y lo indecible. El significante se dirige al cuerpo, las imágenes, los afectos, los sonidos, los movimientos y los ritmos. La des-escritura se desprende de la meta-narrativa y del autor: es el anonimato del dolor, la risa y la escritura.

LO MEJOR DE NO ENTENDER es des-escribir las historias acabadas, las identidades, las palabras, los textos y canciones. Un parloteo de verdades a medias que por no significar nada produce efectos de sentido.

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INTERVENCIONES DE ESPACIO:

Sin Título. Patricio José

Apocalipsis 6:1-8. Tahres

Pieza que fue parte de la exposición “Lo mejor de no entender”, Proyecto curatorial de Icari Gómez.

“Karaoke para hispanoparlantes”

Las canciones fueron elegidas porque son canciones en su mayoría occidentales traducidas al chino, coreano y japonés. La traducción fonética , a su vez, fue hecha de oído al español, haciendo que así el lenguaje original pierda todo tipo de sentido. El nivel de dificultad de performance de karaoke fue asignado conforme a la dificultad de traducción. Los videos fueron hechos con retazos de video de un viaje a Colombia, imitando las imágenes elegidas al azar de muchos videos de karaoke.

Esta pieza es interactiva y permitirá la experiencia de “lo mejor de no entender”. Una voz como cuerpo lleno de intensidades donde se rompe la relación entre el significante y el significado. Una voz como cogito sonoro de Sloterdijk, donde llegar a si es escucharse a si, escucharse antes que pensarse. Una especie de yo-tonal, un yo múltiple de intensidades y sensaciones no fijadas por la estructura legal del sentido.

Da click aqui para ver Karaoke para Hispanoparlantes

Pieza que fue parte de la exposición “Lo mejor de no entender”, Proyecto curatorial de Icari Gómez.

“El valle de lo Siniestro”,

Instalación de casita de madera, de 30×30 centímetros con un agujero redondo para asomarse. Al fondo se ve la imagen de un perro muerto en una pantalla luminosa, mientras una bocina pequeña emite sonidos de un bebé llorando en contexto doméstico. Alarmas que anticipan algo que nunca sucede, desde sonidos del timbre de un celular, alarma despertador y pájaros que cantan a lo lejos.

Pieza que fue parte de la exposición “Lo mejor de no entender”, Proyecto curatorial de Icari Gómez.

“Marsias”
 Ópera en un acto con textos de OVIDIO, FILÓSTRATO et al.

Pieza que fue parte de la exposición “Lo mejor de no entender”, Proyecto curatorial de Icari Gómez.

Videoinstalación de dos pantallas posicionadas invertidas a manera de espejo.

Pieza que fue parte de la exposición “Lo mejor de no entender”, Proyecto curatorial de Icari Gómez.

De la serie “If you leave me can I go with you”, “Sin título”

Pieza que fue parte de la exposición “Lo mejor de no entender”, Proyecto curatorial de Icari Gómez.

“Somos hijos de los que se bajaron del barco”, pieza que acompaña al video juego ”Ni vencedores, ni vencidos”

Pieza que fue parte de la exposición “San Curador”, Proyecto curatorial de Iñaki Herranz

Junio- Julio 2011

Partitura silábica calada para secuenciar aire (interpretación en lenguaje silbado del texto comisionado a Iñaki Herranz por el artista)

Pieza que fue parte de la Exposición “San Curador”, proyecto curatorial de Iñaki Herranz

Junio- julio 2011

Pieza que fue parte de la exposición “San Curador”, Proyecto Curatorial de Iñaki Herranz

Junio- Julio de 2011

Pieza que fue parte de la Exposición “San curador”, proyecto curatorial de Iñaki Herranz

Junio- Julio 2011

Pieza que fue parte de la Exposición “San curador”, proyecto curatorial de Iñaki Herranz

Junio- Julio 2011

Pieza que fue parte de la Exposición “San curador”, proyecto curatorial de Iñaki Herranz

Junio- Julio 2011

Once interpretaciones grafológicas de planas manuscritas por los curadores: Carmen Cebreros, Patrick Charpenel, Marco Granados, Sol Henaro, Iñaki Herranz, Fabiola Iza, Willy Kautz, Ramiro Martínez, Luis Orozco, Bárbara Perea y Daniela Pérez.

Pieza que fue parte de la Exposición “San curador”, proyecto curatorial de Iñaki Herranz

Junio- Julio 2011

Iván Abreu, Renato Garza, Omar González, Pablo Helguera, Arturo Hernández, Noé Martínez, Miguel Monroy, Carlos Olvera, Hugo Ramírez aka “Blogke Negro”, Joaquín Segura y Trino.

Metacuraduría de Iñaki Herranz

Inauguración: Jueves 9 de junio 2011. De 21 a 00 horas.
Intervención sonora de Iván Abreu. 22 horas.

Galería del Centro Cultural Border

SAN CURADOR

Cuando a inicios del 2010 Border me invitó a que propusiera una exposición como parte de una serie de curadurías externas para su galería, independientemente del halago y del reto, razones que me hicieron aceptar gustoso, aún así algo me intrigaba: ¿Si el director –y alma- de Border siempre tuvo tan buena intuición para seleccionar artistas él solo, por qué la necesidad de programar una colaboración sistemática con otros curadores? Parece lógico dentro de la esencia y devenir natural de Border, un espacio inclusivo y con una marcada inclinación por la investigación en torno a la escena local del arte actual, seguir su caza de frescas propuestas por medio de consolidar alianzas con curadores profesionales, entendidos estos como agentes especializados en seleccionar e interpretar obras y estructurar discursos a partir de establecer relaciones de modo libre y subjetivo entre ellas. Aunque a los curadores se les asocia –contra su voluntad y generalizando injustamente- con un juego de poder y pose, pues el ejercicio curatorial conlleva, aparentemente, un sacro santo alo de legitimación de las obras curadas, aunque no forzosamente se lo merezcan.

Siendo la única prerrogativa del Border que la exposición cuente con una temática específica, el contexto del nuevo modo de operación de la galería fue lo que ofreció en si mismo la posibilidad –o mejor dicho la necesidad- de detonar una (auto)reflexión en torno al papel de la intermediación ¿qué significa curar? Este texto no pretende responder esa pregunta (no quita que, para quien exija conocer mi postura ante la interrogante general, la encontrará en el ensayo que redacté a petición de Iván Abreu para su pieza, adjunto a la misma). La pregunta más específica y premisa bajo la cual se buscó hilvanar las piezas de esta muestra, es ¿qué representa la práctica curatorial a ojos de los artistas? ¿Qué simboliza para ellos la figura del curador?

Las obras aquí mostradas integran tres preexistentes y dos retrabajadas, la mitad restante fueron producidas con motivo de esta muestra. Tan solo uno de los participantes (Trino) no fue invitado específicamente, sino que la inclusión de su dibujo busca ejemplificar la relativa arbitrariedad de recursos de los que goza –para bien o para mal- un curador: nos recuerda que la inclusión de toda obra en una exposición está atenida, entre otros factores, no al beneplácito de su autor sino al préstamo por su propietario; segundo, nos indica que los curadores pueden minarse a si mismos, conscientemente y en beneficio de su propio discurso.

Los artistas aquí reunidos atacan con sarcasmo el oficio de la curaduría o de plano usan al propio curador como conejillo de indias: el cuerpo de obra abarca un espectro de posturas que van desde el tono humorístico de la caricatura o la parodia hasta la sutil trasmutación del lenguaje, pasando por la crítica ácida, la mentada de madre directa a mi persona, la representación de la muerte de la curaduría sucesiva a la del arte y varios operativos procesuales que buscan subvertir la relación curador-artista, por medio de estrategias tan diversas como ejercer subcuradurías, pedirle al curador que se cure a si mismo, comisionarle un ensayo a partir del cual activar la pieza o coleccionar una serie de ideas en torno a las dificultades del diálogo entre ambos actores. Al final, esta muestra devino una suerte de metacuraduría, tan divertida como ansiosa, buscando poner en escena las polémicas en torno a aquella práctica cada día más reevaluada y debatida, menospreciada por unos, codiciada por otros.

Iñaki Herranz

Gustavo Abascal
Alejandro Berea
Dulce Chacón
Dhear
Helena Fernández Cavada
Amor Muñoz
Neuzz
Carlos Olvera
Fernando Pizarro
Andrea Sicsik
Trash

Curaduría de Eugenio Echeverría

Inauguración: jueves 26 de mayo 2011, 12 horas.
Clausura: jueves 23 de junio 2011

ENAP
Galería Antonio Ramírez
Av. Constitución No. 600
Colonia Barrio La Concha
Xochimilco, Mexico D.F.

Imagen: Inicio (detalle) de Andrea Sicsik

SOLO QUIERO EL UNIVERSO
Exposición colectiva

En términos generales los individuos afirmamos y entendemos que nuestro objetivo principal es alcanzar cierto estado de satisfacción y plenitud, estado que ha sido comúnmente englobado bajo el término “felicidad”, concepto que se ha ido deformando en el transcurso de la involución humana. Para lograrlo evitaremos el displacer y bajo este propósito desearemos, planearemos, actuaremos y lograremos dando sentido a nuestra vida.

Esta huida hacia adelante es sin duda atropellada, rica en reclamos y exigencias y descubre una sociedad ansiosa, cuyos miembros, hombres y mujeres, vivimos cuestionando permanentemente nuestras limitaciones mismas que sublimaremos al transformarlas en objetivos alcanzados. Como es bien sabido nos hemos dado a la tarea de escapar del vacío a través del consumo -de emociones, personas, situaciones, objetos, sustancias, estatus- y defenderemos, incluso con la muerte en vida, nuestras “nuevas” y forzadas necesidades. En este viaje obsesivo-compulsivo en búsqueda de la felicidad hemos olvidado lo que en la mayor parte de las culturas antiguas y corrientes filosóficas contemporáneas de corte místico se ha denominado “ser esencial” que no es otra cosa que el recientemente revalorizado espíritu. Frente a lo estéril de la acumulación de logros obtenidos no podemos sino seguir planeando el siguiente, como si en esta carrera obligada pudiésemos deshacernos de nuestro único e insoportable propósito: Ser.

“El descubrimiento hondísimo de Dios suele hacerse –como indica la superioridad del estadio ético y el estado religioso de la vida respecto del estadio estético- cuando todo sentido ofrecido por el mundo fracasa. Se oye entonces la voz de la protesta absoluta, que sale del interior más íntimo del hombre. Es porque nada satisface, nada basta, por lo que escuchamos preferentemente la voz de Dios a nuestras espaldas.”

Miguel García-Baró “De estética y mística”

La espiritualidad en el contexto de la contemporaneidad no es Dios. La espiritualidad no es la elevación de la consciencia hasta terrenos inalcanzables para el resto de los mortales – pobres desafortunados… -. La espiritualidad podría ser, paradójicamente, generada -y no otorgada milagrosamente por un ser superior- a partir de la acción, la voluntad y la intención, consecuencia de tomar la difícil decisión de integrar a nuestras vidas ciertos hábitos y costumbres que nos distancien del ego y nos procuren la tranquilidad perdida, desdibujada progresivamente de nuestro código genético tras siglos de despropósitos.

Bajo esta premisa nace “Sólo quiero el Universo”, con la intención de convertir la acción en propuesta y ésta en un ejercicio colectivo a partir del cual tratamos de rescatar, en la medida de lo posible, esa parte de nosotros mismos que no interesa describir ni intelectualizar.

Si la espiritualidad se fortalece con la acción esta exposición colectiva de dibujo, gráfica, pintura, instalación y escultura invita al espectador a actuar, enfrentando las diferentes reflexiones que 11 artistas emergentes mexicanos presentan teniendo en cuenta su propia visión sobre lo espiritual. Las propuestas artísticas que conforman la exposición no son parte de una discurso unificado. Desde el inicio este proyecto curatorial se planteó como un ejercicio libre de acotaciones o limitantes. Como consecuencia cada artista invitado se expresa en sus propios términos, sin la necesidad de encajar en un discurso teórico específico, reflejando así diferentes visiones y reflexiones a partir de las cuales el espectador pueda entrever, reconocer o aseverar su propia relación con lo espiritual en el sentido más amplio y subjetivo de la palabra.

Eugenio Echeverría

CAMPO ABIERTO
Sesiones de improvisación sonora

Jueves 26 de mayo, 20:30 hrs
Centro Cultural Border

Juan José Rivas, electrónica
Juan Pablo Villegas, electrónica

Iván Bringas, guitarra
Misha Marks, guitarra

Alejandro Villalobos, electrónica

La Generación Espontánea
Misha Marks, latarra
Dario Bernal, batería
Carlos Alegre, violín
Alexander Bruck, viola
Fernando Vigueras, guitarra
Ramón del Buey, clarinete bajo

Pieza que fue parte de la Exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría, Galería Antonio Ramírez, Escuela Nacional de Artes Plásticas

Mayo- Junio 2011

Pieza que fue parte de la Exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría, Galería Antonio Ramírez, Escuela Nacional de Artes Plásticas

Mayo- Junio 2011

Pieza que fue parte de la Exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría, Galería Antonio Ramírez, Escuela Nacional de Artes Plásticas

Mayo- Junio 2011

Pieza que fue parte de la Exposición Sólo quiero el Universo, Proyecto Curatorial de Eugenio Echeverría, Galería Antonio Ramírez, Escuela Nacional de Artes Plásticas

Mayo- Junio 2011